LOS ARCHIVOS DE TYPHARES

Otra de las grandes películas que vi en Sitges es esta de la que voy a hablar hoy día de reyes ¿os habéis portado bien? Yo creo que no, o igual si, pero lo cierto es que da igual porque desde hace años los regalos familiares me los compro yo mismo para que no hay lugar a errores ni mierdas de esas. Hasta la polla que ya estaba de jerséis y camisas azul marino siempre una talla por debajo de la que gasto y ausencia total de ticket regalo lo que hacía sospechar que eran regalos reciclados o que fueron comprados hace meses…

Cheap Thrills es una película de terror, pero no es fantástica, ni tiene tintes sobrenaturales que va, es una película de terror porque bien podría ser una historia real surgida de la desesperación de un hombre que lo pierde todo y tiene que sacar adelante a una mujer embarazada y al hijo que ya tienen.

Se trata del primer largometraje de E.L Katz y fue uno de los filmes más laureados de Sitges. Protagonizada por Pat Healy (un habitual del cine de Ty West) en el papel de Craig un tipo que un buen día le despiden del taller de coches donde curraba y que esa misma mañana se había encontrado un aviso de embargo en la puerta de su ridículo apartamento.

Desesperado y convulso decide irse a un bar para intentar aclarar las ideas y allí se encuentra con un amigo de la infancia que se dedica a negocios poco lícitos pero que al igual que Craig está sin blanca, poco podrían imaginarse que un tipo que está de fiesta con su novia iba a dar un vuelco a la situación…

Desde el minuto diez de metraje los protagonistas se verán envueltos en un macabro y violento juego donde el anfitrión irá proponiendo pruebas a cambio de dinero en metálico para el ganador, empezarán con cosas inocentes como tomarse unos chupitos, tocarle el culo a una camarera o darle un puñetazo al gorila del bar, pero a medida que el premio aumenta el riesgo y la brutalidad de las acciones también.

Cheap Thrills es un apasionante análisis de la psique humana y la máxima representación del dicho “el fin justifica los medios”, lo bueno es que su realizador sabe imprimir un tono cómico predominante durante toda la película y consigue la complicidad con el espectador que espera ansioso ver cual será la siguiente sobrada a descubrir.

Eso sí, pese a las gracias, las bromas y las carcajadas que soltaremos en más de un momento – y de dos – son silenciadas de manera brutal por un final que te deja seco, clavado al asiento y sin capacidad de reaccionar. Una película como he dicho para divertirse y para reflexionar sobre la moralidad – o la ausencia de ella – del ser humano.

NOTA: 8/10

Kieron Guillen me ha dejado con los huevos en el suelo, se me han caído al leer el epílogo de su historia “El Origen Secreto de Tony Stark” porque se está marcando una etapa cojonuda, porque ha conseguido contar algo original que trastoca al personaje, pero sin destrozarlo ni necesidad de recurrir a trucos como el Mephistazo o la eterna excusa de que la Bruja Escarlata se ha vuelto a volver loca.

Guillen es un escritor que me tiene encandilado desde su breve – pero excelente – etapa en Uncanny X-Men, desde entonces le tengo como un referente y espero que en Marvel sepan tratarlo como se merece y no le falte trabajo, porque en breve se acaba también su fantástica Jóvenes Vengadores con lo que de momento sólo seguiría con Iron Man.

En esta historia Guillen nos cuenta como el origen de Tony Stark está relacionado von el robot 451 que le da problemas desde su inicio como miembro de Los Guardianes de la Galaxia y de hecho toda esta macro historia está contada en dos tiempos distintos.

Por un lado tenemos la divertidísima historia ambientada en el pasado. Porque según parece el nacimiento de Tony iba a ser muy complicado y posiblemente Mariah y Howard perdiesen al niño durante el embarazo, menos mal que 451 se prestó para ayudar y Howard con la ayuda de un puñado de personajes del Universo Marvel que ya pululaban por aquel entonces junto a otros de nuevo cuño vivirán una descerebrada y descacharrante aventura en las Vegas al más puro estilo Ocean´s Eleven plagada de alienígenas.

Luego tenemos la historia en el presente con Tony en el espacio exterior en un cara a cara con 451 que está empeñado en que se convierta en el piloto del deicida, un gigantesco robot de siete kilómetros de altura capaz de terminar con cualquier civilización. En este enfrentamiento juega un papel muy destacable P.E.P.P.ER.S y la verdad es que está plagado de diálogos bastante graciosos y con mucha chispa. Los piques entre Tony y 451 son de lo más divertido que he leído en muchos años y la forma en que Iron Man consigue la victoria me parece de lo más inteligente.

Pero lo más importante de toda la historia es lo que se nos cuenta en el epílogo final – que no voy a desvelar desde luego – como Guillen nos engaña durante toda la historia y aunque el resultado está acorde con lo que nos contaba con el origen de Tony Stark y el porque es tan listo y tan innovador, consigue pillarnos por sorpresa, le da una vuelta a todo y aunque incorpora elementos inéditos al pasado del personaje, éste no es desecho del todo, no es contradicho y lo mejor de todo es que te deja con ganas de mucho más. Espero que Guillen tenga tiempo de desarrollar todas sus ideas porque estamos en la antesala de algo muy grande.

En las labores artísticas seguimos contando con Greg Land – que aparentemente ya no volverá – y bueno como la ausencia de caras entre el robótico rostro de 451 y el yelmo de Iron Man es casi total pues no desentona demasiado. Afortunadamente también contamos con los geniales lápices de Dale Eaglesman que son un respiro para la vista y que siempre es agradable de seguir. Es un autor que me encanta desde su etapa en la JSA tardía de Geoff Johns.

Con series así me mola seguir leyendo Marvel.

NOTA: 9/10

Bueno amigos con esta ya son veintisiete las películas que he visto en Sitges y de las que he hablado por aquí. Ya van quedando pocas por lo que supongo que en un par de semanas habré terminado con ellas y volveremos a la programación habitual del blog que se que muchos de vosotros ansiáis, así que disculpas si os he atufado mucho con el cine en los últimos meses.

Hoy volvemos a hablar de cine asiático que siempre está muy presente en Sitges y además de uno de los mejores – y más prolíficos – directores japoneses que hay en activo, el genial Takashi Miike que además iba por partida doble al festival y que nos dejó a todos boquiabiertos con la adaptación de la novela “Lesson of the Evil”.

Miike es un especialista en hacer trampas en sus películas, nos engaña a todos los espectadores, cambia de rumbo y da giros de manera sorprendente que te pillan por sorpresa y desde luego que podríamos hablar de un “estilo de cine Miike”, siempre lleno de personajes con gran profundidad, profundos análisis de la psicopatía humana y estallidos de violencia, a veces gratuita y a veces no. Lesson of the Evil no podría ser menos.

Si se animan a verla no decaigan con los primeros 30-40 minutos donde da la sensación de que estamos ante un filme escolar más donde Miike reflexiona y denuncia el Bullying, el maltrato o la presión social de la sociedad nipona a nivel escolar con la dura competitividad y nivel de estrés al que están sometidos alumnos. De eso hay mucho pero desde el primer momento si sabemos mirar veremos que nuestro protagonista tiene mucha pero que mucha miga.

Lesson of the Evil nos narra la historia de Hasumi Seiji (interpretado por Hideaki Ito), un profesor de secundaria afable, que cae bien a los alumnos y que en general lleva una buena vida, apacible y es querido y respetado. Pero un buen día las cosas empiezan a torcerse y empieza a rumiar una idea que acabará con sus problemas, el problema es que dicha idea es totalmente impopular y le puede acarrear muchos problemas.

Miike borda la manera en que Seiji va siendo presa de sus demonios internos y como poco a poco va perdiendo la cabeza, hasta el punto que un objeto que será pieza fundamental de la segunda mitad del filme empieza a hablarle en su cabeza provocando algunas de las escenas más surrealistas y delirantes del filme.

Así llegamos al baño de sangre que son los últimos cincuenta minutos, una absoluta orgía de violencia marca de la casa y plagada de momentazos de humor negro. Es una brutalidad tras otra, algunos dirán que excesiva pero a mi se me antoja necesaria para que el personaje actúe con lo que se nos ha ido contando. El final es de traca y además es de esos que se recuerdan durante mucho tiempo.

Por mi parte Takashi Miike puede contar con mi dinero para las próximas, claro que para eso se tendrían que estrenar en España y eso lo veo más complicado.

NOTA: 8/10

Desde luego la línea Max se podría decir que ha sido hecha para Garth Ennis, Bendis lo bordó en sus inicios con Alias, pero Ennis ha estado siempre ahí y lo ha petado con Punisher Born, Fury, Fury: Pacekeepr o su larga y aclamada etapa en El Castigador que algún día tendré que retomar puesto que lo dejé en el tomo tres pero como Panini la reeditará más pronto que tarde pues no tengo prisa.

Con este segundo tomo Panini termina de editar la serie regular de Nick Furia guionizada de manera soberbia por Garth Ennis y dibujada por Goran Parlov que si bien no brilla tanto como en otros trabajos anteriores, me da la sensación de que algún número está terminado de forma apresurada, sigue siendo uno de los mejores narradores de la actualidad.

Desconozco si Ennis tenía en mente cuando comenzó a fraguar MAX: Furia que fuera una maxiserie pero el tema es que una vez leído este último volumen la sensación es que le ha quedado una obra redonda, muy pulida, muy bien estructurada y sobre todo crítica, cruda y directa.

La acción retoma a Furia, retratado por Ennis como un soldado en una guerra eterna, siempre necesitado de participar en un conflicto y así llegamos a la gran derrota de Estados Unidos en Vietnam donde Garth se trae como invitado especial al francotirador Frank Castle. Unos números brutales donde el guionista aprovecha la ocasión para soltar pullas a la política belicista americana y protesta sobre muchas de las decisiones más que cuestionables que fueron tomadas en aquel conflicto. Unos números terribles pero que no son nada comparados con la traca final…

Los episodios finales están ambientados en muchos de los conflictos en Sudamérica donde han estado metidos los yanquis ya fuera de manera directa, pública o secreta. Los intereses de Estados Unidos en que los conflictos no desapareciesen, el dinero que mueve la droga y las masacres indiscriminadas de civiles, ya fueran mujeres, niños, ancianos o incluso recién nacidos. Tengo que reconocer que ha habido un par de viñetas que me han hecho abrir los ojos como platos y luego hacer una mueca de asco y repulsión por lo dantesco, cruel y tristemente real de algunas ilustraciones. En esta historia además vuelve otro viejo conocido del irlandés: Barracuda, personaje que ya formara parte importante de su etapa en Punisher, como no he leído sus apariciones en dicha serie tampoco puedo decir como está de cambiado.

El final me ha parecido sencillamente brillante. Furia contando sus memorias, amargado, solo y con su idealismo hecho pedazos porque aunque sea un cínico de cuidado (como casi todos los personajes de Ennis) en el fondo es un patriota que sufre con todas las barbaridades que comete y permite su gobierno. Además la muerte está a su alrededor y todo cuanto toca se marchita y si no fijaos en todos los personajes secundarios con los que parece que se lleva bien.

Quienes me conocen saben que no suelo ser muy amigo de las líneas editoriales cuyos cómics transcurren fuera de la continuidad “oficial” de la editorial pero en ocasiones más vale tragarse las ideas preconcebidas sobre algo y disfrutar del resultado final.

NOTA: 9/10

Hola amigos. Bienvenidos a una nueva entrega de Viñetas en Movimiento, de nuevo tengo que disculparme porque llega con retraso ya que tendría que haberse publicado hace tres semanas, pero siempre que pasa algo las secciones temáticas son las que más sufren los retrasos, esperemos poder enderezar la situación a lo largo de este año, hoy vamos con una nueva película de animación de DC, productos que normalmente suelen dar de hostias a las películas de imagen real, normalmente, porque este está más o menos a la misma altura.

¿Qué cómic adapta? Superman Unbound, es la versión animada de la saga Brainiac, publicada hace unos años por DC dentro de la cabecera de Action Comics y que estuvo escrita por Geoff Johns (quien ya empezaba a perder la genialidad de antaño) y dibujada por Gary Frank. En España Planeta la publicó en grapa y en cartoné y por el momento ECC no ha sacado ninguna recopilación. Destacar que es la segunda película animada que enfrenta a Superman con Brainiac.

¿De que va? Si algo bueno tiene Superman Sin Límites es que intenta sacar partido a los superhéroes y sus identidades humanas. Por un lado tenemos la llegada de los heraldos de Brainiac a la Tierra que nada bueno hace presagiar, luego está también Supergirl que recuerda como sus padres fueron separados de ellas por ese villano y también hay drama “humano” con Lois y Clark, ya que el segundo se niega a que la gente sepan que son novios por miedo a que si un maloso adivina su identidad secreta ésta sea revelada a los malos.

Opinión. Pues hasta el momento he de decir que es la más floja de todas las películas de animación protagonizadas por Superman (que sólo son cuatro la verdad, contando las dos que co-protagoniza con Batman) ya que es bastante aburrida y esquemática. Superman salva a los buenos en la primera escena, echa la peta a Supergirl porque es demasiado violenta, llega Brainiac, le vence y captura, Superman se escapa se pelean a lo bestia y fin de la partida.

Normalmente los guiones de DC suelen estar muy elaborados con unos personajes muy construidos y muchos momentos buenos. Pero me da la sensación de que la política de Didio y Lee sobre los cómics de superhéroes a partir de New 52 se está imponiendo en todas sus divisiones incluyendo cine – El Hombre de Acero – o videojuegos – Injustice: Gods Among Us – lo que me escama es que está historia es anterior, pero no se salva de una violencia bastante grande que nos permite ver a Superman sangrando y todo.

Por otro lado como he comentado el ritmo pese a ser frenético no llega a conectar con el espectador que parece que está leyendo un cómic de la Image de los 90 donde lo único que había importante para los creadores era la acción y claro eso hace que el producto final se resienta profundamente, una pena porque normalmente las películas de dibujos de DC suelen ser un torrente de alegrías.

El Momento. Los flashbacks en los que Supergirl recuerda como Kandor fue robada posteriormente de que los robots de Brainiac masacrasen a la resistencia, otra muestra de que la nueva DC es considerablemente más violenta.

Lo Mejor. Las escenas de acción que están muy conseguidas y muestran toda la destrucción que debería haber en una escena de pelea de seres superpoderosos pero sin que parezca que a Superman se la pelan los humanos como en “El Hombre de Acero”. Por otro lado la música de Kevin Kliesch es maravillosa.

Lo Peor. La animación y dirección artística está a años luz de la DC Animated de Bruce Timm, aún así – por desgracia – sigue siendo mucho mejor que la de Marvel. También se hace un poco pesada pese a que sólo dura 75 minutos.

Bueno antes que nada hoy toca un agradecimiento porque con esta reseña que publico hace la número 600 de su categoría y si he llegado a tan redonda cifra es porque parece que os interesa mi opinión sobre lo que voy leyendo. Creo sinceramente que para un humilde blog como es Los Archivos de Typhares, 600 reseñas es una cantidad bastante respetable. Ha habido un poco de todo pero con clara preponderancia de superhéroes Marvel, aunque gracias a las bibliotecas y a mis buenos amigos – como Luis que me dejó este tebeo – voy dando algo más de variedad a todo esto.

Gracias al más que recomendable cómic “The Sword” me picó la curiosidad con los Hermanos Luna, una panda de Yankis que casi siempre trabajan con Image Comics – ya saben “la editorial de moda” – de los que sólo conocía su trabajo como artistas en la sosita Spiderwoman: Origin. Así que me acerqué a su ópera prima con algo de escepticismo, sentimiento que quedó anulado a las 10 páginas.

Si os fijáis en la portada tampoco queda muy claro de que va el cómic, aunque el diseño de la cubierta imitando un póster de una película es muy bueno y está muy conseguido desde luego. El cómic comienza con tres amigas comiendo en un restaurante de lujo, salen un poco piripis y deciden experimentar sensaciones nuevas yendo a visitar a una médium que les comenta que en siete días –de ahí el subtítulo – sufrirán una gran perdida, una decepción y conocerán el amor.

Todo normal hasta aquí salvo que de manera súbita un tráiler arroya su coche pero las tres salen tan pachis con son la ropa rota y es que son ¡superheroinas! Ultra es una de las tres protagonistas de la historia. En el universo que se sacan de la manga los Luna Brothers los superhéroes están a la orden día y los metahumanos también, aunque por lo general los poderes suelen estar limitados a súper fuerza, vuelo, velocidad y cosas así y como mucho disparar rayos láser, pero nada más fuera de lo común.

Lo verdaderamente original es que todos los superhéroes están registrados y trabajan corporativizados, tienen salarios, jornadas laborales, días libres, están monitorizados por sus agentes y deben cumplir con compromisos publicitarios. De ahí que cada portada interior imite a algún tipo de revista de moda, de espectáculos o de cotilleos y haya entrevistas y reportajes fotográficos, unos extras desde luego curiosos donde los haya.

El cómic gira en torno a las vidas de las tres protagonistas y como afrontan el día a día que viene a ser una mezcla de Victoria Beckham y Spider-Man, resultando un cómic fresco, divertido que se devora de una sentada. De fondo estará todo el tema de las predicciones de la médium y aunque hay muchos superhéroes tiene mucho más de Strangers in Paradise que de Los Vengadores por ejemplo. Aunque no teman, si quieren acción también la hay y lo bueno es que como es una obra cerrada cualquier cosa puede pasar con lo que mejor no encariñarse con nadie o si.

En la parte gráfica pues lo habitual de este tándem. Una narrativa que puede parecer un poco rígida pero el resultado es atractivo con esa predominación de tonos pastel que tanto parece gustarles. Una pena que no hayan seguido con el proyecto, a mi no me habría importado lo más mínimo.

NOTA: 9/10

En verdad que se me antojan pocas sesiones de cine tan míticas y especiales como la que nos brindaron el pasado domingo los amigos de Phenomena: The Ultimate Cinematic Experience que celebraron su tercer aniversario con la proyección en Madrid de las tres partes de Regreso al Futuro, en 33 mm. Y en versión original y que francamente fue una experiencia única y muy emotiva que en un par de ocasiones a punto estuvo de sacarme la lagrimita.

Haciendo cuentas había visto la primera entrega de Regreso al Futuro en tres ocasiones durante los últimos dos años, la segunda parte llevaba fácilmente 15-20 años sin verla y la tercera (la única que vi en su momento en cines en 1990) sólo había visto el final hace unos meses. Tengo el pack en bluray pero poco tiempo para poder revisionar.

Que experiencia amigos, que experiencia, como bien decía Nacho Cerdá en la presentación (que sólo comenzó diez minutos tarde y que fue muy buena) pocas veces se ha visto en el cine una saga donde el guion – escrito por el director Robert Zemeckis y por Bob Gale – funcionase como una máquina de relojería, las seis horas que duró la sesión (que se me pasaron volando) da la sensación de que estamos viendo una sola película ya que todo termina en el instante preciso que tiene que terminar, nada pasa al azar.

Viendo las películas de seguidillo se pueden apreciar mogollon de detallitos que encajan en una y otra cosa, pequeños huevos de pascua como un reportaje en la segunda parte cuando están en el futuro donde se ven recortes de Biff en el salvaje oeste o como éste ve una película de Clint Eastwood que a la postre es la clave para el duelo final entre Perro Loco y Marty McFly.

Quien le iba a decir a un chaval que triunfaba en una telecomedia llamada “Enredos de Familia” que en España ponía Telecinco los veranos por la noche que un buen día Spielberg y Zemeckis llamarían a su puerta y le darían el papel de su vida interpretando al protagonista de Regreso al Futuro y bueno a muchos de sus parientes incluido él mismo de viejo o su hija del futuro así como su antepasado del oeste. Otra coña es el juego de disparar retro que aparece en la secuela y que de hecho es el mismo en el que Marty se gana un Colt en la última entrega. Todo está conectado.

Se trata de una trilogía que es sencillamente perfecta por la que no pasa el tiempo y que espero que jamás sea violada con un remake o una secuela a destiempo como la de Indiana Jones. Michael J. Fox está sublime e interpreta a la perfección a un hijo de los ochenta. La escena del baile tocando Johnny B. Goode, la persecución con el monopatín o su obsesión con ¡Qué Fuerte!

Mención aparte se merece otro gran actor como es Christopher Lloyd, el sin par Doc Brown que ni corto ni perezoso decidió robar plutonio para su precioso y sofisticado Condensador de Fluzo. Aquel que inventaba un trasto del tamaño de un almacén para conseguir un cubito de hielo en 1885, aunque en realidad sólo se trataba de un niño grande emocionado con haber leído a Julio Verne y al que el mundo se le quedaba pequeño para su imaginación sin límites.

No nos vamos sin mencionar un elemento que perdurará más allá incluso que la película y que no es otra cosa que la maravillosa banda sonora de Alan Silvestri – y no de John Williams como muchos piensan – que me temo que voy a tener metida en la sesera durante bastante tiempo, aunque lo cierto es que no me importa jejeje, no recordaba y me encantó ver a ZZ TOP en la película.

Doc: ¡Vamos Marty tienes que regresar al futuro!

Marty: ¿Qué es tan importante en el futuro Doc? ¿nos volvemos todos gilipollas o algo así?

Hay que ver lo que me gusta Joe Hill, creo que la incursión del vástago de Stephen King en el mundo de la literatura y los cómics ha sido un soplo de aire fresco, innovador y original. Sus novelas Cuernos y El Traje del Hombre Muerto me han parecido alucinantes, así como su serie Lock & Key que es de lo mejor que ha parido el noveno arte en mucho tiempo. Ahora le he echado el ojo a La Capa, una adaptación de un relato corto escrito por él mismo y que también se ha encargado de adaptar.

La verdad es que ya había leído la precuela ambientada durante la guerra del Vietnam y más o menos se de que iba el objeto de marras y como eran los poderes que otorgaba a su portador, pero desde luego no estaba preparado para un tebeo tan perturbador, original, crudo y por momentos verdaderamente terrorífico.

Nuestro protagonista es un chaval normal cuyo padre murió en Vietnam y que poco antes de palmar les envió unas insignias y sus efectos personales. El chaval jugaba todo el día con su hermano a los héroes y villanos y un día sufrió un demoledor accidente porque se lanzó de lo alto de un árbol pensando que podría volar y acabó dándose un morrón de aquí te espero, ocho semanas en el hospital y un pastizal en facturas.

Al final el chaval crece y se convierte en un saco de frustraciones, él se queda estancado, es un zoquete en los estudios, incapaz de mantener un trabajo y comienza a beber. Lo peor es que a su novia le va bien, su hermano es un doctor de reconocido prestigio y comienza a sentir celos de lo bien que se llevan, acaba volviendo a casa tras su ruptura y en una borrachera se tapa con su capa infantil que súbitamente le hace levitar…

Hill aprovecha para lanzar un claro mensaje sobre aquello de “El Poder Corrompe” porque a raíz de descubrir las habilidades que le brinda la capa decide comenzar una oleada de venganza contra todos aquellos que él considera que le han fallado, porque aparentemente la capa sólo ofrece la posibilidad de volar, pero dado cual es su “origen” – para lo que os recomiendo también la precuela – la mente del huésped también se deteriora y parece que también desarrolla algo de fuerza extra pero sin llegar a niveles de Superman ni mucho menos.

Lo cierto es que La Capa ofrece una mirada retorcida al mundo de los superhéroes y supervillanos, de hecho el prota se erige a si mismo como el malo de la historia y acaba mostrándonos algunas páginas de una violencia desmedida, muy brutas con un villano de nuevo cuño que se encuentra completamente fuera de si y al que parece no importarle el grado de parentesco o de afinidad de sus víctimas y no digamos ya los daños colaterales porque la “bodycount” de este cómic es tremenda.

El final por su parte me ha parecido perfecto y medido. No hay que olvidar que se trata de la adaptación de un relato corto y que Hill no es del gusto de alargar las cosas de manera innecesaria por exprimir el dólar, como ya debe estar suficientemente forrado se limita a contar lo que quiere. Habiendo terminado ya Lock & Key espero que se meta pronto en una nueva obra.

NOTA: 8/10

Otra de las joyitas que pude ver en Sitges fue la nueva y esperada película de Eli Roth – que con toda seguridad tampoco pasará por los cines españoles – The Green Inferno, un remake de la mítica película de Rugero Deodato “Holocausto Caníbal” una cinta que causó gran revuelo en los años 80 por la violencia explícita y el hecho de que animales vivos fueran asesinados para la película, también podría decirse que se trata de una de las precursoras del cine gore.

Ahora nos llega esta cinta que cambia un poco el palo de la película (por cierto que habrá secuela, así que donde se ha estrenado ha funcionado bien, en Sitges de hecho fue la primera en agotar entradas) y contamos como una chica bien de una Universidad de Estados Unidos – interpretada por la chilena buenorra de Lorenza Izzo – se une a un grupo de activistas que pretenden salvar una selva del amazonas de que ésta sea deforestada.

Eli Roth – Vegano y ecologista reconocido – aprovecha para mandar pullitas al mundo civilizado y también se mete con todos los llamados “activistas de sofá” además de varias cosillas de guion (que escribió él mismo junto a Guillermo Amoedo) que son bastante hirientes y que sirven como efectistas giros argumentales pero que no destriparemos aquí.

La película dura 103 minutos que se pasan en un santiamén y aunque tiene bastante burradas, mucho gore y escenas bastante cafres, es de largo la película más light de Roth y queda muy lejos de la original en cuestión de salvajismo. Pero sin embargo le gana en todo lo demás. La parte inicial del filme está dirigida con pulso maestro y sirve perfectamente como thriller político alternando algún golpe de humor marca de la “casa”, pero poco a poco gracias a la envolvente fotografía Antonio Quercia y la inquietante banda sonora de Manuel Riveiro entraremos en una jungla junto con los protagonistas que ofrece una atmosfera opresiva y terrorífica por momentos.

Toda la parte “gore” es realmente buena y aunque sabemos - o intuimos – cual va a ser el destino de los protagonistas, The Green Inferno nos pone a la expectativa, nos intriga y como he dicho consigue meternos en la película. El final me ha parecido de lo más apropiado e incluso Eli Roth se permite gastar una broma al espectador tendiéndole una trampa y haciéndonos creer que el final es otro distinto del que es.

Ya al margen del visionado de la película hubo una rueda de prensa en el espacio Fnac con Lorenza Izzo, Eli Roth (que me firmó de buen gusto la carátula de Maldistos Bastardos) y el productor Rodrigo Cortés (que dirigirá la secuela mientras que Roth hará las veces de productor) y que fue totalmente desternillante.

Contaron como un equipo de rodaje no había entrado nunca tan a fondo en la jungla del Amazonas para rodar una película. Que la tribu indígena que les acogió no sabía lo que era conceptualmente una película y que la primera que les pusieron fue precisamente “Holocausto Caníbal”. Lorenza contó a carcajada viva como una noche sufrió una terrible diarrea (que todos sufrieron en algún momento) y que se cagó de arriba abajo. A Eli Roth le ofrecieron como regalo un niño recién nacido por lo bien que se habían portado con la tribu y Rodrigo Cortés destacó como el equipo de maquillaje – esencialmente una cuadrilla gay – folló con casi todos los hombres de la tribu que practicaban el amor libre.

Una película y una charla inolvidable.

NOTA: 8/10

El nivel que se está marcando Marvel en los últimos años con sus portadas es de diez. Un aspecto que viene cuidando mucho desde la avalancha de portadas "zombificadas" de Arthur Suydan para la primera limited de Marvel Zombies en 2005. En los últimos meses hemos tenido las baby covers de Skotie Young, las portadas "animalizadas" de Chris Sammee entre otros, las conmemorativas de Alex Ross, siempre que se estrena peli hay ronda de cubiertas...

Y en los últimos meses el artista conceptual Matthew Waite se ha marcado una serie de cubiertas alternativas que son deliciosas....conmemorando y homenajeando a lo más nutrido de los videojuegos de los años 80 y 90 de 8 Bits, arcade, pc.... he recopilado las que ha dibujado hasta la fecha, espero que os gusten. Hay de Marvel, Valiant e incluso Image...

Comenzamos con Shadowman que es un guiño a las primeras escenas de batalla de los primigenios Final Fantasy de NES y con Iron Man con un sprite que es igualito a Megaman.

Seguimos con otra de Valiant, Bloodshot y una pantalla de títulos de crédito como la de Contra, conocido en Europa y USA como Probotector de Capcom. X-O Manowar por su parte recuerda a Samus Aran de Metroid de NES.

La primera que conocí de este autor fue la de Avengers AI que me vuelve a recordar a Megaman. Luego tenemos a Harbinger y si habéis sido jugones seguro que le sacáis el parecido con Double Dragon.

La única que hay de Image pertenece a Morning Glories y es una replica de los juegos de rol por turnos del tipo de Shining Force. La de Robocop de Boom Studios es directamente un pantallazo del arcade de Data East de finales de los ochenta.

Este par no lo acabo de ubicar. El de Avengers Arena es posible que no sea un guiño de nada y el de Wolverine creo que es un homenaje a Werewolf: The Last Warrior de NES

Un par de las mejores. Harbinger que directamente añade el Kart con serigrafia de Marío Bros, más claro agua. Bloodshot and Hard Corps es una genialidad que rinde tributo al Doom de ID Software.

Donkey Kong sirve de base para Masacre y Archer & Armstrong. Curiosamente dos series de corte humorístico.

Terminamos con Iron Man que de nuevo recuerda a la pantalla de selección de personajes de Megaman y Superior Foes of Spider-Man que tiene un referente directo en The Amazing Spider-Man VS The Sinister Six de Nes y Master System.

La verdad es que el pasado Expocómic 2013 fue una gozada en lo relativo a conseguir dibujos - para los que sólo quisieran eso - porque había casi un centenar de autores, yo este año pasé de coger vacaciones o de madrugar y molaba llegar a las 16 ó a las 17 y que todavía hubiese muchos números para mogollón de artistas.

Así lo hice el viernes despues de currar me acerqué y conseguí el número dos para Iban Coello, y aunque un padre al que todos conocemos intentó colar a uno de sus hijos pequeños para que se llevase primero él un dibujillo conseguí mantener mi posición.

Iban ya ha estado varias veces en Madrid y tenía ganas de conseguir un dibu suyo porque en los últimos meses he seguido con mucho interes todo su trabajo en Batman Beyondo Unlimited y Batman Beyond Universe, curro que le lleva mucho tiempo pues es una serie quincenal que primero se publica en el portal on line de DC y luego llega a papel y que en España mucho me temo que ni siquiera vamos a oler.

Estuvimos hablando largo y tendido sobre las virtudes de esta línea temporal y lo mal que está el New 52 en general. El año que viene si vuelve repito :)

Hola amigos. Dos domingos seguidos ofreciendo las secciones temáticas del blog, no me lo creo ni yo jejeje, seguimos con una de las más veteranas y hoy toca un juego inédito en España pero que se puede disfrutar vía importación a precio de risa y más fácilmente con emuladores y como no tengo la Game Gear – de momento – pues así me ha tocado hacerlo para realizar la review.

Tenemos entre manos el primer juego Marvel que salió en exclusiva para la portátil de Sega, que ganaba en definición y gráficos a su hermana mayor la Master System pero que por desgracia pesaba un montón y consumía pilas que da gusto. El caso es que durante buena parte de los años 90 Sega contó con los derechos para realizar juegos basados en la franquicia mutante que en el año 1994 estaba en su momento de mayor popularidad lo que hizo que hasta la Game Gear tuviera un juego exclusivo.

En este juego – que ya cuenta con todos los diseños de Jim Lee para los equipos oro y azul – la historia cuenta como Magneto arrasa la mansión de Xavier y coge prisioneros a la plana mayor de los mutantes salvo a Lobezno y Cíclope que deben superar una serie de niveles mitad plataformas de acción y mitad laberintos para que éstos lleguen a rescatar uno a uno a sus amigos.

Como historia es flojita, pero en esos años tampoco se trabaja mucho este aspecto y a no ser que sean casos concretos como el de Maximun Carnage – del que hablaremos en breve – que adaptan una saga recién publicada suele ser una excusa para enfrentar a X personajes con todos los villanos posibles estén relacionados con Magneto o no. En X-Men – no se comercializó con ningún subtítulo) nos pegaremos con Saurom, Rojo Omega, la Reina del Nido y con dos novedades Sebastian Shaw y Calisto que debutan así en los juegos Marvel, los niveles al menos son variados y nos llevan a la Tierra Salvaje, los túneles Morlocks, Madripur y finalmente Avalon.

Según superamos niveles rescatamos a Pícara, Mariposa Mental, Hombre de Hielo, Tormenta y Rondador Nocturno pero no podremos jugar con ellos y sólo los podremos utilizar como “personajes de ayuda” una vez por nivel. De hecho X-Men es un beat ´em Up al uso donde predomina el uso de puñetazos y patadas porque cada vez que usamos los poderes de Cíclope y Lobezno (que no recupera energía) perdemos un poco de vida, aunque los ítems para restaurarla son abundantes.

El juego es muy divertido y muy manejable, las cinco fases nos dan para pasar un buen par de horas de diversión retro – si es que os van estas cosas – y técnicamente también se encuentra a un gran nivel, donde me gustaría destacar el gran trabajo de Jenny Markota (fichada más tarde por Capcom), Anne Matsumura y Steve Patterson como diseñadores de producción. El juego cuenta con unos grandes gráficos y entre pantalla y pantalla podremos ver screeshots de los mutis de una calidad muy tocha.

Lo cierto es que mirando con perspectiva el pasado festival de Sitges – que el año que viene cuenten conmigo ya voy avisando – al final fueron las proyecciones tildadas de menores que se pudieron ver en cines pequeños las que más me acabaron gustando salvo excepciones como la maravillosa Coherence. Además los horarios en que podías ver las películas iban desde las ocho y media de la mañana (me sigue pareciendo una hora surrealista para ver una película) hasta las tres de la madrugada, al menos eso sí con todas las películas que pude ver me llevé unas pocas sorpresas agradables.

Como fue ésta Raze, dirigida por el desconocido Josh C. Waller y que cuenta como mayor estrella a Rachel Nichols, aunque aviso que su papel tiene trampa jejeje. La película es un entretenimiento muy pero que muy bueno de 93 minutos con una trama simple, pero efectista y muy bien llevada a cabo.

La historia nos cuenta como una misteriosa organización se dedica a secuestrar a mujeres jóvenes y las obliga a luchar a muerte, si se niegan a luchar matan a sus seres queridos, si pierden los matan también, así que la lucha se convierte en algo primordial para la supervivencia de los suyos. Además todo es por un juego, para divertir a una élite que se aburre con los entretenimientos habituales.

Una mezcla de El Club de la Lucha con Battle Royale que como he dicho es jodidamente divertida y tiene mucha más chicha de lo que a priori se podría esperar de una película cuyo mayor atractivo son las peleas de gatas entre unas protagonistas que por lo general están de muy buen ver. Salvo la prota absoluta que es Zoe Bell – la que doblaba a Uma Thurman en Kill Bill – y que es fea como un pie pero que suelta hostias como panes. La película alterna unas escenas de pelea muy buenas, bien coreografiadas, espectaculares y muy violentas, pues no hay que olvidar que se lucha a muerte y buscando un realismo estas peleas son más contundentes que “vistosas”

Pero a la vez que toda esta acción desmadrada también nos ofrece bastante drama humano, pues una vez que las luchadoras están metidas en faena y van pasando rondas tenemos a las típicas que eran delincuentes y que de estar en la calle tampoco habrían sobrevivido mucho más, las que pierden la cabeza porque no acaban de asimilar su situación y las que quieren sobrevivir a cualquier precio. Raze ofrece una última escena de acción que es de lo mejorcito que he visto en el cine desde Misión Imposible IV, una secuencia vibrante, de final incierto y que te deja clavado en la silla con su conclusión.

La película cuenta además con secundarios de lujo como Doug Jones, el tipo que normalmente se pone un traje de luces para hacer de Gollum o Abe Sapien y que es tan feo como los personajes que “interpreta” y Sherilyn Fenn de la mítica Twin Peaks y que se ha pasado los últimos años comiéndose a si misma.

Una gran producción del cine de acción independiente –si también existe no todo el cine de autor va a ser una gafapastada – americano que por supuesto jamás veremos por aquí.

NOTA: 8/10

Que pena da acabar con series que te gustan, pena por un lado y placer por otro cuando el final es tan bueno como el de Fringe. Te quedas con la sensación de haber visto una gran historia, una historia que se cierra totalmente, una historia que te ha emocionado y cuyos personajes serán recordados durante mucho tiempo, además que acabar series está bien porque con todas las que hay para ver…

El caso de Fringe ha sido bastante ha sido bastante curioso porque ha llegado al capítulo 100 (para que la puedan sindicar signifique lo que signifique eso) con muchas dificultados. La serie creada por J.J. Abrams comenzó como un procedimental cutron que imitaba a Expediente X hasta en lo sosa que era Olivia y lo enigmático y tipo guay que era Peter, le metieron un padre loco (John Noble ha hecho el papel de su vida) y una ayudante entrañable como Astrid y teníamos una serie del caso de la sema con tintes fantásticos más. Pero poco a poco a partir de la revelación de que la serie trataría de una guerra con otra dimensión paralela a la nuestra se fue volviendo más y más interesante.

Fringe ha sido una serie que ha sabido reinventarse a si misma totalmente y dar un giro de tuerca, la serie podría haber metido chachara metafísica y tecnicismos como para parar un tren – dimensiones paralelas, campos cuánticos, paradojas temporales, cámaras de Faraday… - pero han logrado que sea entendible, disfrutable y sobre todo adictiva.

En esta última temporada, los productores han dado un do de pecho brutal y la calidad técnica de la serie se ha visto implementada en muchos puntos. No en vano la acción nos traslada 20 años al futuro con la Tierra siendo invadida y ocupada por los Observadores, que intentan venderse a si mismos como salvadores y amigos y que encima de todo tienen fieles entre los humanos que les sirven traicionando a su propia raza. Con esta definición y con toda la trama que relaciona a la resistencia me ha recordado mucho en esencia a la mítica V.

Otro aspecto que me gustaría destacar de la quinta temporada de Fringe es que se trata de un homenaje a toda la serie con la presencia de objetos, situaciones, referencias a muchos de los casos de las primeras temporadas, incluso hay un momentito donde se puede ver “el otro lado” Olivia y Lincoln como pareja. Además las dosis de acción son considerablemente mayores y en solo trece episodios hay más peleas, persecuciones y tiroteos (bien dosificados eso sí) que en las cuatro temporadas anteriores.

Sabiendo que estos últimos trece episodios tenían que ser una traca, los acontecimientos se suceden a una velocidad de vértigo y además pasaran todos los personajes que han sido importantes por la serie, y creedme si habéis sido fans de Fringe hay más de un suceso que os soltará las lagrimitas. La humanidad está en guerra y como en toda batalla hay bajas, algunas necesarias, otras inesperadas y todas dolorosas. El equipo de guionistas encabezado por J.H Wyman ha sabido transmitir al espectador esa sensación de desesperación, de urgencia, de relevancia ante lo que nos contaban. Por supuesto se han permitido el lujo de premiarnos con pequeñas genialidades como el episodio donde Walter para acceder a algunos de sus recuerdos se mete un ácido, ya os podréis imaginar. Cinco años de aventuras con Walter, Olivia, Peter, Astrid, Nina… se os echará de menos, gracias por hacérnoslo pasar tan bien.

Que gran escena final, de lo más emotivo y bonito que he visto en ficción televisiva.

Hacer un Matrix XD, una expresión que seguro que todos habéis dicho alguna vez en los últimos quince años, tiempo que ha pasado desde que se estrenó la primera parte de la trilogía – tremendamente sobrevalorada – de los hermanos Wachowski que molaba mucho – de largo la mejor de las tres – y que conceptualmente fusilaba en buena medida Los Invisibles de Grant Morrison.

En aquella película había una escena que lo petaba que no es otra que en la que Neo y Trinity ( A Carrie Ann Moss se la ha tragado un agujero negro, aunque no es que a Reeves le vaya mucho mejor) asaltaban un edificio del sistema y se liaban a tiros sacando armas y más armas de sus molones abrigos negros de cuero. La música de Don Davis lo petaba, y las coreografías de Yuen Woo Ping son de lo mejorcito del cine de artes marciales moderno la verdad.

Pues andaba yo viendo Chuck, la cuarta temporada que se me está atragantando, y me encuentro con este nada velado homenaje a la película de marras en la que Chuck y Sarah asaltan un banco donde Volkov (un genial Timothy Dalton) tiene su dinero. La escena es bastante buena y divertida, de lo mejor de toda la temporada.

Pero no es el único homenaje a esa escena (no me centro en la película porque entonces no termino) ya que en la primera maxi de los Ultimates Mark Millar y Bryan Hitch nos cuentan como Ojo de Halcón y la Viuda Negra asaltan un edificio de oficinas que está controlado por Chitauris, si os fijáis la indumentaria es muy similar y la acción no le va a la zaga desde luego.

Venga gente que estamos a viernes y por fin es fin de semana, mientras tanto vamos a seguir con una nueva crónica de Sitges que ya van quedando poquitas y algunas son canela fina y otras una macarrada de cuidado como la que nos ocupa esta tarde “All Cheerleaders Die” dirigida por Lucky McKee y Chris Sivertson se trata de un remake de la misma película de comienzos de siglo que ellos mismos dirigieron, y esto aunque no es del todo novedoso – creo que Lans Von Trier lo ha hecho también – desde luego no es nada habitual.

ACD como la conoceremos a partir de ahora es un película tremendamente divertida, que comienzo con una escena de lo más burra que he visto en mucho tiempo, muy cafre y con mucho humor negro. La protagonista de la historia es Maddy Killian, una adolescente que está a punto de comenzar el último curso del instituto y que se ha propuesto hundir en la miseria al mariscal (o quaterback para los finos) del equipo de fútbol americano de la escuela.

Lo que comienza como una película ambientada en un instituto random americano con todos sus tópicos, clichés, jerarquías y demás mierdas (no he reconocido a ni uno de los actores de la película, pero igual de aquí a unos años son todos famosos, vete tú a saber) se vuelve algo mucho más oscuro cuando un buen puñado de los protagonistas mueren y resucitan como no-muertas, pero tampoco zombis y a partir de aquí empieza la fiesta.

Sin contar más detalles para no entrar en el siempre desagradable terreno de los spoilers hay que admitir que la película es sumamente divertida, tarda un poco en arrancar pero cuando el elemento sobrenatural irrumpe en pantalla se disfruta cosa mala la verdad. Cada muerte que se va sucediente es más surrealista que la anterior, cada explicación racional que se le intenta dar más innecesaria, y así hasta el infinito, yo le habría metido más gore pero la dosis de hemoglobina tampoco es que haya sido especialmente baja.

El final – que incluye punto de partida para la secuela todavía no anunciada – es una batalla al más puro estilo marvel, porque tenemos cantidades ingentes de violencia, un equipo de “buenas” con súper poderes y un final boss de esos que parecen ser invencibles y que no caen por mucha artillería que se le eche. Pero todo esto no sería nada si la película no se hubiera apoyado en un guion que si bien peca de funcional es como he dicho muy gracioso, las carcajadas se suceden y no hay que entender a ACD como una película de terror de genero slasher si no más bien como una comedia de humor negro como el carbón.

Por buscarle algún punto negro, pues me voy a poner en plan guarrete y decir que esperaba muchas más tetas – como si fuera la versión gore de Porky´s – de las que ofrece aunque tías buenas hay unas pocas.

NOTA: 7/10

En ocasiones el hype que levanta algunas series de televisión antes de que se estrenen puede ser excesivo y finalmente contraproducente si las expectativas no se cumplen o ni por asomo se acercan. Con The Following ha pasado algo parecido y aunque una vez vista su primera temporada hay que admitir que es adictiva y mediocre a partes iguales no creo que sea tan mala como la pinta la genta. Quizás es porque veo pocos procedimentales o series de polis y no tengo con que comparar pero lo cierto es que yo me lo he pasado bien.

La premisa de The Following no podría ser más sugerente. Un agente del FBI alcohólico y retirado interpretado por Kevin Bacon (actorazo que salta a la pequeña pantalla con papel protagonista) es llamado de nuevo a filas porque un asesino en serie llamado Joe Caroll (al que da vida un gran James Purefoy) se ha escapado y es uno de los tipos más peligrosos de la historia, pese a que sólo había matado a cuatro personas, hasta aquí todo normal, lo que mola viene a continuación.

Caroll ha fundado desde la cárcel una secta de asesinos que usan como doctrina el culto a la muerte que impregnaba toda la obra del escritor Edgar Allan Poe. El piloto además tenía un ritmo que te cagas y te pegaba un buen par de sustos además de tener varios giros de argumento molones. Encima el creador de la serie es Kevin Williamson, uno de los responsables de la saga Scream. Un buen cóctel que demostraba que la Fox había apostado fuerte por ella.

Ahora viene lo malo y es que en los quince episodios que llevamos hemos visto una repetición de esquemas bastante alarmante. Tenemos a Kevin Bacon de un lado para otro con su equipo de agentes del FBI (entre los que destaca Shawn “Hombre de Hielo” Ashmore) persiguiendo a Caroll y este siempre los evade dejando un reguero de muertos a su alrededor (la violencia en la serie es bastante explícita, lo que es de agradecer) y haciendo parecer a la policía como un atajo de idiotas que no hacen otra cosa que dar palos de ciego.

En serio siempre pasa lo mismo, cuando parece que va a pasar una cosa y que van a resolver positivamente algo resulta que uno de los personajes secundarios introducidos en ese capítulo o en uno anterior es miembro de la secta y mata a uno de los buenos y salva el día para Caroll. Algo que también me ha escamado bastante es que se olvidan de todo el tema de Edgar Allan Poe a las primeras de cambio aunque luego es retomado de manera sutil a finales de temporada.

Y ya que hablamos de finales aquí es donde radica el principal punto de interés de The Following es en sus explosivos finales y en que en verdad puede pasar cualquier cosa y cualquier personaje puede morir porque la lista de bajas de personajes más o menos importantes es bastante tocha y como comentaba la última escena del episodio final te deja con ganas de más.

NOTA: 7/10

Hola amigos bienvenidos un domingo más – y van tres seguidos – a una sección temática de Los Archivos de Typhares. En este caso a Marvel No Stop, la sección donde hablamos de forma cronológica de todas aquellas series y películas que han sido protagonizadas por personajes de la Casa de las Ideas. Ya plenamente establecidos en la década de los noventa toca analizar la que para muchos es la mejor serie de animación jamás creada de Marvel: X-Men.

En 1992 los mutantes estaban en momento cuya fama no tenía parangón, el nº 1 de X-Men de Claremont y Lee se había convertido en el cómic de superhéroes más vendido de la historia habiendo alcanzado siete millones de ejemplares y había que explotar la gallina de los huevos de oro. Lo malo es que la intentona anterior Pryde of the X-Men no había pasado del episodio piloto, aunque el concepto de la serie fue trasladado con gran éxito al mundo de las recreativas de la mano de Konami. De todas formas llegaba la hora de cambiar las tornas.

El 31 de octubre de 1992 se estrenaría en la Fox el primero de los setenta y seis episodios de los que contaría X-Men (en España llegó un año más tarde de la mano de Telecinco que lo emitía junto a Conan y Batman de Bruce Timm). La serie estaba producida por Saban Entertainment que aunque en el campo de animación no habían logrado gran cosa habían tenido un buen par de pelotazos con las series de imagen real de Power Rangers y en menor medida VR Troopers, el productor ejecutivo fue Avi Arad que se apuntó así un buen pelotazo, aunque sólo el primero de los muchos que vendrían.

La serie vio la luz gracias a un acuerdo del entonces presidente de Marvel Joe Calamari y el jefazo de Fox Kids Sidney Iwanter. Desde el primer momento se mimó a la producción y la calidad técnica fue de lo mejorcito que se había hecho hasta el momento – que no obstante quedaba a años luz del trabajo de Bruce Timm con los personajes de DC – y para los guiones e historias se contó con el mismísimo Stan Lee, con Bob Harras e incluso Len Wein (guionista de Giant Size X-Men 1) escribiría muchos episodios.

Se puso toda la carne en el asador y el elenco de personajes utilizados fue prácticamente el mismo de la mencionada serie de Claremont y Lee: Lobezno, Cíclope, Xavier, Júbilo, Tormenta, Pícara, Jean Grey, Gambito, Bestia y Morpho (que yo en aquella época no conocía de nada la verdad) todos con los uniformes creados por el coreano. Lo cierto es que la serie tenía una estructura algo inusual para lo que es un programa televisivo de dibujos animados, ya que verdaderamente parecía una colección de cómics con sagas que se continuaban, con multitud de personajes invitados y con una continuidad y profundidad propias pues en todo momento se deja claro que la Patrulla X no es algo nuevo e incluso en un episodio el Hombre de Hielo se enfrenta a Xavier debido a rencillas del pasado.

Igual de destacable son las historias contadas, muchas de nuevo cuño, pero la mayoría adaptaciones o reinvenciones de muchas originales. Por ejemplo se adapta todo el asunto del traidor de la Patrulla X con apariciones de Cable y Bishop incluídas, tenemos Días del Futuro Pasado, la saga de Fénix Oscura con los Shiar de por medio, Apocalipsis y sus cuatro jinetes con Arcángel a la cabeza, apariciones de la isla Muir, la Alianza Falange, la Isla Salvaje con Ka-Zar, Nimrod, el Club Fuego Infernal, Proteo, la masacre mutante, X-Factor con la alineación de Peter David.

Un aspecto que provocó que la serie diese mucho que hablar fue que – al igual que en las viñetas – se tratase toda la problemática mutante con sus comparaciones con el holocausto (hay varios flashbacks de Magneto y lo que sufrió), la marginación por ser diferentes como le pasó a Júbilo, el miedo a lo nuevo y desconocido y la creación de los Centinelas para “mantener a la humanidad a salvo” e incluso la religión católica en los episodios donde Rondador Nocturno tenía coprotagonismo.

Lo que fue una pena es que apenas tuviera conexiones con el Universo Marvel, quitando un crossover con Spider-Man llamado The Mutant Agenda y un flashback de la segunda guerra mundial donde Lobezno hacía de las suyas con Nick Furia y el Capitán América o un par de fotogramas donde aparecían de nuevo Spider-Man y Máquina de Guerra salvando el día poco más hubo.

Fue destacable también gran éxito que la serie tuvo en Japón donde se creó una introducción animada para la ocasión y se publicó un manga que adaptaba toda la serie, en Estados Unidos contó con serie de tebeos también que poco a poco fue contando también aventuras distintas a las de la serie pero dentro de su propia continuada, siendo muchos de estos cómics dibujados por el desparecido en combate Ben Herrera.

Bueno y eso es todo, que este post me ha quedado bastante más denso de lo habitual, espero que os haya gustado, volvemos en unas semanas.

Hola amigos, estamos a lunes y la semana promete ser cojonuda así que os voy a dar una noticia a todos aquellos que estáis un poco hasta la bola de las críticas cinéfilas de Sitges, con Patrick encarrilamos la recta final de reseñas y tras ésta sólo quedarán tres películas más de las que hablar y entonces recuperaremos el ritmo habitual del blog, a todos aquellos que siguen aquí gracias por aguantar mis desvaríos.

Vamos con Patrick, se trata de otro remake del cine de terror, aunque en esta ocasión de una cinta que para un servidor era totalmente desconocida y por lo visto para la mayoría del fandom también. La original Patrick es una cinta de los años 70 de nacionalidad irlandesa y que por lo visto está sumamente bien, los DVD´s que había a precio puta.

Ahora en 2013 nos llega esta cinta de terror bastante buena – todo hay que decirlo – de la mano de Mark Hartley siendo ésta su primer largo, aunque ya tenía experiencia con dos documentales sobre cine de terror bastante majos. De producción Australiana cuenta la historia de una enfermera que es contratada en un hospital de pacientes comatosos.

Allí empiezan a suceder fenómenos extraños especialmente relacionados con un paciente llamado Patrick que lleva más de una década entre ellos y que parece que ha encontrado la forma de comunicarse con nuestra protagonista mediante la telequinesis.

Patrick usa el terror en su forma más elemental y rudimentaria – que en el cine se traduce también como barata – y consigue un buen número de sustos de manera artesanal a modos de luces que se encienden y apagan, puertas que se cierran, cristales que se rompen y juegos de sombras. Ahora todo puede parecer muy básico y rústico en los tiempos que corren pero en Patrick han resultado bastante efectistas, la gran fotografía de Garry Richards influye también así como la sensacional banda sonora de Pino Donaggio, que estuvo presente en Sitges para hablar de la película.

El filme es funcional, no tiene grandes giros argumentales ni revelaciones que inviten a revisitarlo una y otra vez en busca de guiños y trucos de guion. Se trata de una película de miedo al uso y como tal se disfruta y se olvida una vez vista. No ofrece nada más y nada más se le debe pedir. Como es norma dudo mucho que llegué a estrenarse nunca en España.

En el elenco de actores protagonista cabría destacar la presencia de Charles Dance, el gran y temible Tywin Lannister de Juego de Tronos que arrastró verdaderas legiones de fans a su encuentro, hecho que no pareció gustar demasiado a este gran y enorme – en estatura y talento – actor, claro que si yo llevase treinta años dedicándome a la actuación y la gente sólo me conociese por el último papel donde he interpretado a un hijo de la gran puta me pasaría lo mismo.

CHEAP THRILLS ¿Qué harías por dinero?

IRON MAN: EL ORIGEN SECRETO DE TONY STARK

LESSON OF THE EVIL. La última macarrada/obra maestra de Takeshi Miike

FURIA: MIS GUERRAS PERDIDAS 2

VIÑETAS EN MOVIMIENTO XVII: Superman Unbound (2013)

ULTRA: SIETE DÍAS. Pequeña maravilla de los Hermanos Luna

PHENOMENA 3º ANIVERSARIO: BACK TO THE FUTURE TRILOGÍA COMPLETA

LA CAPA. La corrupción del "héroe"

THE GREEN INFERNO. No tan bestia como Holocausto Caníbal pero mucho más divertida.

LAS PORTADAS RETRO 8 BITS DE MATTHEW WAITE

SKETCHES: Mirando al futuro con Iban Coello

MARVEL BITS XXXIII: X-Men (1994)

RAZE: Lucha o Muere

FRINGE T.5 La batalla por el futuro de la humanidad

HACER UN MATRIX

SKETCHES: Comprando bocetos en Expoc

ALL CHEERLEADERS DIE! Atrapadme a esas porristas!

THE FOLLOWING T.1 Persigue y te perseguirán

MARVEL NO STOP XIX: X-Men (1992)

PATRICK. Terror añejo a la antigua usanza