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Channel: LOS ARCHIVOS DE TYPHARES
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STALLONE AL OTRO LADO DE LA LEY

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No amigos, no es que el bueno y pequeñajo de Slay haya protagonizado un biopic – en plan Van Damme – donde cuente su vida, es que el otro día viendo la tele ponían Asesinos y viéndola un rato (no la terminé que dura más que el cagar y había que madrugar al día siguiente) me acordé que pese a ser la típica estrella de acción, que siempre hace de héroe, han sido muchas las veces que ha estado al otro lado de la ley… este artículo lo hago de memoria así que es posible que falte alguna película – en especial si es de su etapa setentera como secundario - espero que les guste.

Aunque si mencionaremos Capone, película donde Stallone interpreta al guardaespaldas del gánster más famoso de todos los tiempos en un más que correcto biopic de Steve Carver estrenado en 1975.

Repetiría como matón de la mafia en Cannonball, protagonizada por el desaparecido David Carradine. Sería una de las manos derechas del capo de turno, interpretado por Paul Bartel. Destacar que esta cinta fue clave en el auge de las carreras ilegales de coches.

Más que recomendable es la desconocida F.I.S.T donde nuestro homenajeado pasa de ser un currante en una fábrica, a montar un sindicato a lo U.G.T y acaba saliéndose de la ley y aliándose con la mafia para conseguir sus objetivos. Un drama magnifico, echadle un ojo.


En La Cocina del Infierno (1978) interpreta a Cosmo un timador callejero de tres al cuarto que intenta hacerse rico a base de locas historias como hacer de su hermano un luchador profesional, muy en la línea de la premiada The Fighter de hace un par de años.

Ya en plena época de éxitos llegaría Encerrado, en 1989, un drama carcelario que contó con un éxito. En ella es un presidiario de delitos menores que cumple condena de manera ejemplar y que a pocos meses de acabar su condena es llevado a una cárcel de máxima seguridad donde es puteado cosa mala. A destacar la gran banda sonora de Bill Conti.

Con Óscar nos llegaría su primera y más que correcta película cómica, en 1991 interpretaría al mafioso y contrabandista homónimo que intenta volverse honrado por una promesa que le hizo a su padre en el lecho de muerte. Fue dirigida por el gran John Landis y se trata de un remake de una cinta de los años 60. Sí amigos, hace 25 años ya existían los remakes.


Llegamos a Asesinos (1995) la película donde se enfrenta a Antonio Banderas – quien empezaba a forjarse un nombre en Hollywood – dirigida por Richard Donner es una película de acción más que decente con unas escenas de tiroteo estupendas y un final bastante bestia, la trama aunque funcional está bastante bien hilada.

Con la llegada del año 2000, Stallone volvió a protagonizar otro remake, esta vez de Get Carter haciendo el papel que en su día si no me equivoco interpretase Michael Caine. A recordar la banda sonora de Tyler Bates y la que es posiblemente una de las mejores interpretaciones de la etapa moderna de Sylvester. Su concepto de honor y responsabilidad le haría dejar de lado una vida violenta como cobrador de deudas en las Vegas.

Acabamos este resumen con Una Bala en la Cabeza, obra del gran Walter Hill, esta adaptación de una desconocida novela gráfica ha sido uno de los 10 fracasos más estrepitosos del año 2013 y de lo que va de siglo. En ella nuestro actor hace de asesino en Nueva Orleans que busca venganza contra el asesino de su compañero a la vez que evita que acaben con su vida, la de su hija y la de un policía que se mete en sus asuntos.

THE SACRAMENT. Aterradoramente real

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Hola amigos, seguro que si todavía queda alguien que lea el blog (las visitas me hacen dudar a veces jeje) se preguntará cuando acabaré de hablar de las películas de Sitges, muchas de ellas fuera de cualquier circuito comercial y que seguramente acabarán quedándose inéditas, pues espero que a los pocos lectores (os agradezco vuestra fidelidad) que las sigan os estén gustando porque todavía quedan cerca de la mitad jeje.

The Sacrament fue la película elegida para la clausura del pasado festival de cine fantástico, terror y oriental de Sitges. Dirigida por el para mi desconocido Ty West, del que sin embargo investigando he podido comprobar que he visto un par de películas suyas como son El Cobertizo y Cabin Fever 2, pero son bastante olvidables – en especial la segunda – pues bien ahora parece que sabe muy bien lo que hace y se marcó la que posiblemente fue la película más aterradora de todo el evento.

The Sacrament está basada en una historia real, por lo que el acojone de que eso pasase de verdad aumenta, donde sus protagonistas viajan a centro américa para encontrarse con la hermana de uno de ellos que de forma súbita decidió unirse a una comunidad de fanáticos religiosos que reúsan de la propiedad privada, la tecnología y cualquier otra cosa que pueda pervertir sus almas.

La película está rodada cámara en mano – o found footage – que dicen los puretas por lo que el aspecto y la factura final como si de un documental se tratase en muy acertada para The Sacrament. Una trama funcional, realista, un severo y acertado análisis de la cara más oscura y retorcida en lo que se refiere a una libre interpretación de las sagradas escrituras que tiene unos resultados demoledores. Quienes conozcan la historia real de la Guayana francesa ya sabrán como terminó todo, para quienes no, no pienso destripar nada.


Lo que iba a ser un viaje de reencuentro, de descubrimiento, una aventura cultural se acaba tornando en la más horrible de las pesadillas. El ritmo de la cinta es alucinante y la habilidad del director para irnos introduciendo poco a poco en la vorágine de terror es digna de elogio, cuanto más aprendemos sobre esta comunidad, menos queremos saber a la vez porque está claro que algo raro pasa con ellos, la apariencia de falsa libertad se va desquebrajando para que todo salga a la luz.

El climax  de The Sacrament es sensacional, deja con un mal cuerpo de narices y hace más cierto aquello de “la realidad siempre supera a la ficción”. Todos los actores están muy acertados en sus papeles sin que nadie sobresalga en exceso salvo el gran Gene Jones que interpreta a “Padre” el líder de la comunidad y el que con todas luces será el responsable de su desaparición.

Son películas como The Sacrament y directores como Ty West los que en mi humilde opinión hacen grande el cine haciendo que historias reales se conviertan en más reales todavía transmitiéndolas con frialdad a la que vez que sentimiento a los espectadores, consiguiendo que con las escenas cotidianas o más mundanas que tenga la película nos olvidemos de las atrocidades que en ella se cometen. Exactamente lo mismo que hace la televisión en la vida moderna.

Para pensar en ello.

NOTA: 9/10

RUTGER Y MARLON SE LAS SABEN TODAS... O CASI.

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Hola amigos ¿cómo va la semana? La verdad es que yo estoy un poco cansado y griposo pero eso no me impide postear mi ración de frikismo diaria, puede que veáis el blog un poco en plan “piloto automático” últimamente pero os prometo que tras las navidades volveré con energías renovadas, palabrita.

Hoy vamos con un post ligerito de esos chorras y curiosones que de tanto en tanto me gusta ofrecer por aquí. Vamos a hablar de un par de gazapos de dos películas míticas del cine que no son muy conocidos – bueno o al menos yo no los conocía claro – además que las pelis si digo que son míticas son míticas.


Empezamos con Superman, la buena, la de Richard Donner del año 78 (pero que conste que soy defensor de la Bryan Singer y detractor de la de Snyder) en ella el gran Marlon Brando – grande como actor, esta película es previa a su etapa de comerse a si mismo – interpreta a Jor El, Padre de Kal-El ¿o era otra cosa? En el siguiente video que es un montaje entre las tomas falsas y la escena de verdad se puede comprobar que Brando tuvo un lapsus e improvisó parte de la escena.



La segunda escena del día es de la también mítica – y para mi soberanamente aburrida – Blade Runner. Rutger Hauer daba “vida” al replicante protagonista y en la escena final donde suelta el mítico monólogo lágrimas en la lluvia, añade un par de cosas de cosecha propia, os dejo con el monólogo en castellano porque la voz de Constantino Romero es para el recuerdo.



“Yo he visto cosas que vosotros no creeríais: Naves de ataque en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo; como lágrimas en la lluvia..., es hora de morir.”


Las palabras "Todas esas cosas se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia" no estaban en el guión de David Peoples, y salieron de la chola de Rutger. Aun así el resultado fue cojonudo.

MUCH ADO ABOUT NOTHING. Joss Whedon lo ha vuelto a hacer

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Joss Whedon es un director, guionista, escritor, productor que habitualmente está circunscrito y con razón al género fantástico. Toda su obra me suele fascinar por lo general y desde luego que está en el ojo del huracán desde el estreno de Los Vengadores. Así que cuando confirmó que su siguiente película como director sería una versión moderna del clásico de Shakespeare “Mucho ruido y pocas nueces” mi hype se disparó.

Además tuve la suerte y pude verla en Sitges en el único pase que tuvo en el peor cine que le pudo tocar, pero al menos la vimos en pantalla grande y en versión original. Sorpresas de la vida creo que se ha estrenado hoy mismo en España, pensaba francamente que nunca se llegaría a estrenar, así que si alguien lee esto y se anime, que no se lo piense porque dudo que aguante mucho en pantalla.

El filme es especial por muchos motivos. Es un producto totalmente independiente, amparado por la productora del propio Whedon, rodado en blanco y negro en la casa del propio director, durante sólo un par de días y el reparto está formado por todos sus colegas pero encabezado por Amy Acker (Fred en Angel), Clark Gregg (el Agente Coulson) y especialmente por Alexis Denisof (Wesley en Buffy/Angel) sin olvidar una genial interpretación de Nathan Fillion, al que todos recordarán para siempre como Malcolm Reynolds en Firefly.

Lo mejor es la fidelidad con la que está adaptada la obra original de W.S. porque –si- la película está ambientada en la época moderna, pero los personajes son los clásicos, la trama es la clásica y los diálogos son clásicos, por eso se tratan de conde, de don o del título que corresponda. Una genialidad así sólo podía ser obra de Joss Whedon, el filme tiene su estilo por todas partes. Cuando crees que ya no te puede sorprender, va y te deja con los ojos como platos y la boca abierta, cosa de la que pocos pueden presumir.

La cinta es divertida – sí DIVERTIDA – porque en el fondo esa era la principal inquietud de Shakespeare si no divertir, la de al menos entretener al respetable y vaya si lo consigue porque tiene unos momentos de verdadero despiporre, sobre todo a raíz de la aparición en pantalla de Nathan Fillion. Esta película no sólo es original, atrevida, arriesgada… me atrevería a decir que es necesaria. Whedon ha roto un tabú, siempre que alguien se acerca a una obra clásica, se acerca con miedo, miedo al fracaso o al que dirán, miedo a la comparación inevitable. Whedon se ha pasado todo eso por el forro y ha salido triunfante. La historia se conoce – o al menos se conoce si se sabe de que va la obra que no lo voy a comentar – pero sigue sorprendiendo, sigue gustando, esto es cine amigos.

El final me hizo levantarme y aplaudir y creo que incluso solté una lagrimita.

NOTA: 10/10

TIBURONES. Esos entrañables, mutados y eclécticos monstruitos

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Hola amigos ¿cómo va eso? ¿tenéis miedo a los tiburones? Pues que sepáis que si la respuesta es afirmativa la culpa de todo esto la tiene Spielberg y su película Tiburón estrenada en 1975 que mitificó a los escualos como si fueran sanguinarias máquinas de matar cuando en realidad no son así… pero no vamos a hablar de eso, hoy vamos a dar un repaso a algunas representaciones populares de los tiburones.


La película de Spielberg está basado en el bestseller Jaws (Mandíbulas) de Peter Benchley de 1974 que narraba de forma bastante libre los acontecimientos sucedidos en Nueva Yersey en 1916 donde cuatro bañistas fueron devorados por Tiburones en el transcurso de pocos días.

Lo que poco se podía esperar el mundo del cine es que una cinta protagonizada por un tiburón mecánico que costó nueve millones recaudase casi 500 en todo el mundo. La película del Rey Midas fue la inventora del termino “blockbuster veraniego”, el filme es recordado por la gran interpretación de Roy Schreider y Richard Dreyfuss, la banda sonora de John Williams y sigue siendo un referente en el cine de monstruos que cuenta con su propia atracción y montaje en el parque de la Universal.


Como el filme tuvo un éxito sin precedentes las secuelas no tardaron en aparecer, aunque ninguna de ellas rozó ni de lejos el éxito de la original. En Tiburón 2 repitieron la mayoría de los protagonistas pero la sensación de suspense y terror se había desvanecido por completo. Tiburón 3 es una cinta que particularmente me gusta bastante, estrenada en 3D (de las primeras que lo hizo) y protagonizada por Dennis Quaid y Louis Gosset Jr, en ella un enorme tiburón aterrorizaba un parque de atracciones acuático, en Telecinco la han puesto mil veces y la verdad no me importaría hacerme con ella. Finalmente llegaría Tiburón La Venganza en 1987 retomando personajes de la primera como la viuda de Brody, pero es francamente olvidable.


Otra forma habitual cuando algo tiene éxito es la Explotation y en los setenta estaba a la orden del día por lo que los sucedáneos tampoco tardaron en llegar. Posiblemente el más recordado fuese Tintoretta: Tiburón Asesino, una producción anglo-mexicana protagonizada por un enorme tiburón tigre, curiosamente también estaba basada en una novela. No será un Tiburón, pero Orca La Ballena Asesina de Michael Anderson seguía el mismo esquema que la obra de Spielberg, en ella Richard Harris y Charlotte Rampling debían hacer frente a una horca, en su rodaje colaboraron los especialistas Ron y Valerie Taylor que rodaron una escena inicial con un animal de verdad en cautividad, al igual que hicieron dos años antes en Tiburón.

  

 Ahora vamos a dar un salto temporal (obviaremos Deep Blue Sea de Renny Harlin que mola mucho pero no aporta nada) para enfrentarnos a una de las épocas más chungas – y divertidas – que han conocido estos pobres bichos. El nuevo siglo nos ha ofrecido algunas películas realmente bizarras protagonizadas por tiburones, la mayoría de ellas producidas por Asylum y que suelen tener unos cuantos elementos en común: violencia, sangre, tetas, efectos de CGI ridículos, algún actor conocidillo de la TV y un esquema más similar a Piranha de Joe Dante que a Tiburón de Spielberg. Veamos algunas de las más “destacables”.


Megashark. Un gigantesco tiburón prehistórico que se enfrenta primero a un pulpo gigante en una disputa por el control de los océanos y más tarde a un crocosaurus. En la primera podemos ver a Lorenzo Lamas el rey de las camas y en la segunda a URKEL!!! Tiene momentos tan bizarros como nuestro megashark comiéndose el puente de San Francisco o saltando como si fuera un delfín y zampándose una avioneta.

Sand Sarks. De nuevo tenemos tiburones prehistóricos que estaban en periodo de hibernación y que un terremoto los deja libres (¿alguien menciona Piraña 3D?) lo que pasa que estos bichos consiguen nadar por las dunas del desierto como si fuera agua y claro pillan a todo el mundo por sorpresa, la dosis de tetas de buen ver es bastante grande eso es cierto.

Sharktopus. Eric Roberts es un científico que ha creado un híbrido de tiburón y pulpo para usarlo como arma militar y acabar con los piratas somalíes, porque seguro que es más sutil que un misil bien tirado, es una película bastante absurda del año 2010 pero es muy divertida y producida ni más ni menos que por Roger Corman.

 

Ghost Shark. Dirigida por Griff Fust llega el surrealismo, unos marineros hieren de muerte a un escualo, el cual va a morir a una cueva embrujada que lo convierte en un espíritu de la venganza. Es cutre a más no poder y encima los efectos fantasmales se limitan a que parezca un gusiluz en la oscuridad. Mola que tiene la habilidad de teletransportarse y aparecer en cualquier sitio que tenga agua.

Swamp Shark. Alguien aquí vio Piraña 2 de James Camero y le moló mucho porque es igual, un tiburón blanco mutante que consigue adaptarse al agua dulce y que la lía parda subiendo río arriba por el Missisipi y dándose un festín con un pueblecito lleno de bañistas intrépidos.

Sharknado. La joya de la corona, con Tara Reids (lo pongo en plural por sus dos amigas domingonas). Surrealista, estúpida, casi lírica, fruto de un delirio todavía inexplicable un tornado deja un montón de tiburones sueltos en una ciudad y éstos destruyen y se comen todo lo que pillan por tierra, mal y aire. El final es más épico que todo El Señor de los Anillos juntos y el momento motosierra gloria bendita.


Ya terminamos, pero vamos a dejar un breve apunte televisivo en la forma de recordar los 40 episodios de Street Sharks, una serie de animación de los años 90 formada por cuatro hermanos mitad tiburones mitad humanos que se enfrentaban al doctor Paradigma y a su panda de mutados. Cada uno de los protas era un tipo de tiburón distinto y el tufo a Tortugas Ninja era evidente. Pero amigos, eran los años 90.

En breve volveremos con una nueva entrega donde los bichos del espacio exterior serán los protagonistas.


RIGOR MORTIS. Terror oriental con un poquito de todo.

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Domingo cansado, domingo de resaca… se que tengo las secciones temáticas abandonadas desde hace varias semanas pero cosas de la vida me impiden ser todo lo regular que me gustaría y por eso aunque no suelo faltar a mi cita diaria muchas veces la planificación me la acabo pasando por el forro así que tras esta explicación que se que a muchos os la sopla – como debe ser por otro lado – vamos a hablar de una película más del festival de Sitges.

En ocasiones en Sitges por lo que me han comentado hay que arriesgar, porque muchos días te plantas con horas muertas que la gente sensata ocuparía en comer o descansar, pero nosotros de sensatos poco por lo que finalmente siempre se mira que películas se pueden ver y acabas devorando una tras otra que fue lo que nos pasó. Así el viernes que comenzaba el sarao antes de la inauguración le echamos un par y nos plantamos a ver una chinakada de terror llamada Rigor Mortis.

La verdad es que no se muy bien que va a salir de esta crítica porque lo cierto es que el filme fue rarito de cojones, tengo resaca y lo visioné hace casi dos meses y medio pero creo que podremos hacer un apaño. Todo comienza con un pavo que intenta suicidarse en un apartamento de un edificio donde todos sus inquilinos son bastante raritos y están acostumbrados a lidiar con lo sobrenatural. Pero en última instancia es salvado por un vejete que se dedica a matar vampiros.

Si hijos míos, matar vampiros. Hasta aquí todo bien y la verdad que ninguna pega que ponerle porque el concepto de vampiro de esta película me ha gustado mucho la verdad, relacionando los vampiros con el mundo de los espíritus de la forma en que por ejemplo en Buffy los chupasangres estaban relacionados con demonios. Pero HOYGAN que el desmadre continúa porque en el edificio están también los fantasmas vengativos de dos hermanas que murieron asesinadas tras ser violadas, un niño salido de las películas de La Maldición directamente que da un acojone que no veas y de cuando en cuando por las noches en los pasillos hay desfiles de espectros cual cabalgata de reyes.

Muchos elementos, dispersos que hacen que la película si bien no aburre en ningún momento ya que tiene buenas escenas de acción, diálogos cómicos entorno a escenas cotidianas en restaurantes que tanto gustan en el mundo oriental y visualmente es muy atractiva… lo que pasa es que la trama queda diluida porque rápidamente las historias se empiezan a mezclar, hay flasbacks que no quedan nada claros a que hacen referencia y los sucesos extraños como digo molan por su aspecto pero no por lo que cuentan ya que viene a complicar mucho al espectador que se pierde en la historia. Las teorías sobre lo que de verdad pasa en el edificio son para todos los gustos, desde que puede que el prota esté completamente zumbado a que en realidad están todos muertos y ese inmueble no es más que el purgatorio donde van a para las almas de todos los seres sean naturales o sobrenaturales.

Una película que está muy mal rematada, entiéndame no estoy en contra de los finales abiertos a libre interpretación rollo Origen de Christopher Nolan, pero si que me cabrean los que directamente da la sensación de que el director y el guionista se hubieran tomado unas vacaciones y hubieran dejado todo el curro a Jill Leung en el apartado de la fotografía que realmente lo peta en ese aspecto, porque claro él al menos se molestó en hacer su trabajo.

NOTA: 4/10

THE EXPENDABLES 3. Más grande con más balas, con más testosterona, con más de todo

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 Desde luego lo de la Saga de los Mercenarios lo está petando pero bien, las dos primeras entregas me han parecido de lo mejorcito del cine de acción en lo que va de siglo. Acción desenfrenada, tiros, actitudes chungas y macarras, chistes fáciles y mucho amor por el cine de acción de los 80. Ya vamos a por la tercera que acaba de hacer público si primer póster y teaser... que ganazas.


 La primera entrega estrenada en 2010 nos presentaba al equipo de Stallone y sus manos derechas interpretados por Jason Stathan y Jet Li, Dolph Lundgren estaba en un segundo plano y el resto de los machotes principales venían de la lucha profesional o el fútbol americano. Eric Roberts hacía de maloso y Micky Rourke era su contacto con los trabajos. Salían Bruce Willis y Chuache pero sólo un momentito de nada. Aunque sólo por gozar de ese plano en el que estaban los tres juntos en la misma película por primera vez en la historia ya merecía la pena. Como trama uno de los clichés más habituales del cine de los ochenta: derrocar a un dictador de una isla nación que solía ser la metáfora de Cuba vista por los yankis como una república bananera.




La segunda entrega  cambiaba el cliché pero seguía siendo uno de los tópicos habituales: país centroeuropeo indeterminado con armamento nuclear. Un deliro de filme, metalenguaje por todos lados y una de cada tres frases era un chiste privado sobre la filmografía de los actores. En la dirección cambiamos a Stallone por Simon West y el resultado ni se inmutó. Jean Claude Van Damne era el malo y sus apariciones fueron gloriosas, joder si hasta su nombre Villain significa villano en francés XD. Sobre el reparto destacar las apariciones de Chuck Norris y sus sobradas y que en esta ocasión Chuache, Willis y Stallone compartían muchas más escenas. Repetían los mismos pero perdíamos a Rourke.




Y el año que viene llega la tercera parta dirigida por un tal Patric Hughes. La jam session será total porque a los ya conocidos (sigue sin volver a aparecer Rourke) sumamos a Mel Gibson de malo, Harrison Ford, Antonio Banderas, Wesley Snipes (dicen que según salió de la trena ya tenía la invitación de Stallone),  y Kelsey Grammer el de Frasier que no se que pinta...ojito al que ha montado el poster porque Stallone parece el más grande.


¿Tendremos Mercenarios 4? Que cuenten con mi pasta. Aún pueden salir Mr. T, Hulk Hogan, Michael Dudikoff, Mark Whalberg, Chow Yun Fat, Jackie Chan, Steven Seagal. Kiefer Sutherland, Lou Diamond Philips ... y seguro que a vosotros se os ocurren otros cuantos.

GALLOW HILL. Hay puertas que es mejor no abrir

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Lo he dicho varias veces cuando hablo de las películas que pude ver en el pasado festival de Sitges “la presencia del cine español ha sido constante y muy positiva”. Hoy vamos a hablar de un ejemplo más Gallows Hill, dirigida por el patrio Víctor García que se dejó ver por el festival y además la productora trató de promocionar el filme por todo lo alto y montó un fiestón en el Pachá de la ciudad, también hubo un par de señoritas de buen ver repartiendo flyers por todo el festival, desde luego le pusieron ganas.

Víctor García no es ni mucho menos un desconocido en el género del terror ya que entre los largos que ha dirigido se encuentran producciones para el mercado directo y aunque tampoco es que sean grandes filmes – continuaciones bastardas de sagas como Reflejos, 30 Días de Oscuridad o Haunted Hill – desde luego había buenas maneras en ellos, especialmente en la tercera. También ha dirigido algún proyecto de animación y varios cortos, yo desde luego le echaré un ojo a partir de ahora.

Gallows Hill nos cuenta la historia de David Reynolds un casi cuarentón que tuvo una hija a los dieciocho años y que recientemente se ha quedado viudo por lo que viaja con una amiga hasta Bogotá para tratar de reencontrarse con su rebelde hija y su noviete, con la firme intención de evitar que cometiera los mismos errores que cometió él mismo en su juventud. El reencuentro no sale como ellos esperan y en una pequeña carretera de montaña un derrumbamiento los saca del camino por lo que deben dirigirse a un pequeño pueblo aparentemente abandonado donde sólo se registra actividad en un pequeño hotel.

Un hotel sin teléfono, sin televisión, con un registro de entradas de huéspedes que no ha tenido ningún nuevo inquilino en más de 30 años. Sólo están él y una niña de diez años a la que tiene encerrada en una celda llena de relicarios en el sótano, por supuesto los bienintencionados Yankis sienten la obligación de hacer lo moralmente correcto y liberar a la niña siendo este posiblemente el peor error que podrían haber cometido pues la niña es capaz de averiguar los más oscuros secretos de cada uno de los desafortunados visitantes.

La cinta sólo dura 83 minutos, un metraje muy reducido pero muy bien aprovechado (aunque me da que tanto en España como en Estados Unidos será carne de Videoclub o VOD) con unos momentos de grandes sustos y tensión continúa. Mención destacada se merece en mi opinión la soberbia fotografía de Alejandro Moreno mostrándonos la desolación de un pueblo abandonado asolado por una lluvia torrencial, sin más, este simple efecto climatológico resulta muy perturbador.

Un ritmo bien medido con muchos detalles muy buenos, la película  no inventa nada pero resulta fresca y entretiene y además aprovecha el limitado presupuesto. No comento más de la trama porque es posible que cualquier día la acaben poniendo en televisión en La Dos o La Sexta 3 o similar. Quizás en la muestra SyFy pero me extrañaría.

 NOTA: 7/10








Otro lienzo que se queda sólo, se nos ha ido José Ortiz

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La nochebuena de este año nos ha traído una mala noticia que ha sido el fallecimiento del dibujante murciano José Ortiz. Un histórico de nuestra industria, un grande que ha inspirado generaciones de dibujantes con obras como Hombre (un tebeo desgarrador que recientemente ha reeditado EDT) o sus aportaciones al vaquero TEX.

Encima era un tipo de lo más majete y agradecido, fue invitado de honor en Expocómic 2010 y durante una de las sesiones de firmas del sábado por la tarde tuve la ocasión de hablar con él un buen rato y el tipo estaba verdaderamente encantado y agradecido de haber sido invitado al certamen y de recibir un premio a toda su carrera.

Fallecido a los 81 a causa de un problema cardiaco se dedicó toda la vida al dibujo y empezó por la puerta grande siendo ayudante de Manuel Gago, máximo representante de la escuela valenciana de dibujo. Tuvo una segunda juventud durante los años 80 publicando material a patadas en antologías míticas de la época como Zona 84 o Cimoc.

Algo por lo que siempre será además recordado es por su inconformismo y perfeccionismo de su estilo. José Ortiz estaba siempre evolucionando, siempre dibujando – es un ejemplo del dicho “el dibujante descansa dibujando” – siempre CREANDO.

El impacto y estilo de José Ortiz le valió muchos reconocimientos y de hecho es de los pocos artistas que pueden presumir (cosa que nunca hacía) de haber sido invitado a dibujar un especial de TEX ya que Bonelli solo encargaba historias de su vaquero predilecto a autores de reconocido prestigio. También publicó en Inglaterra, para la editorial 200 AD (también publicó en la revista Eagle) ni más ni menos con personajes como Judge Dredd o Rogue Trooper, en la editorial americana Warren también se sirvieron de su arte y ya en los noventa volcó su amor por Latinoamerica en sendos álbumes que contaron con financiación oficial “La civilización Inca” y “Los orígenes del hombre americano”.

Se nos ha ido un grande, atesoraré la conversación que tuve con él y el privilegio de haber escrito una breve sinopsis de su biografía para el mencionado Expocómic 2010, año en el que todavía colaboraba con la revista oficial.



“José Ortiz (Cartagena, Murcia, 1932). Tenía apenas dieciséis años cuando un concurso de la revista “Chicos” le colocó como ayudante de Manuel Gago. Ortiz prometía, y cumplió. La editorial Maga le vería dar sus primeros pasos desde “El capitán Don Nadie”, “El duque negro” o “Johnny Fogata”, allá por la década de los 50; de ahí, a Toray con “Sigur el vikingo” o las “Hazañas del Oeste”, y a Bruguera en las páginas de la revista “Bisonte Extra Ilustrada”. Sus coqueteos con ingleses y norteamericanos en los 60 le llevarían a plasmar su talento para la mismísima Warren ─que le otorgaría un galardón al Mejor Artista Polivalente en 1974─, donde llegó incluso a dibujar la voluptuosa figura de la icónica Vampirella. Mediados los años 80 vuelve a centrar su arte en el mercado español, que prácticamente no le conoce desde los parámetros del gran público, para las publicaciones de Norma y Toutain. Su extensa obra, su excepcional calidad, su misma existencia, le hacen leyenda vida de la historieta universal”

SPACE PIRATE: CAPTAIN HARLOCK. Una odisea aburrida

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A los que no les gusta el blog en los últimos meses por la avalancha de críticas de películas de cine – que tal y como han caído las visitas deben de ser la mayoría – tranquilos amigos que ya van quedando pocas y algunas son de películas bastante guays así que espero que aguantéis el chaparrón y sigáis al pie del cañón como hasta ahora, eso sí el año que viene si repito en Sitges volverá a pasar lo mismo y si voy a la muestra SyFy y al festival Nocturna pues tres cuartos de lo mismo, post por película.


Hoy vamos a hablar de otro los súper chascos que me lleve en Sitges – Space Pirate: Captain Harlock – era una película que lo tenía todo para convertirse en un clásico absoluto y además suponía una de las pocas oportunidades que podemos tener en España de ver anime en pantalla gigante y en 3D… pero todo hizo aguas como las haría la Arcadia si navegase de verdad porque las dos horas de duración de la película se me hicieron pesadas pesadas.

No voy a declararme fan absoluto de Leiji Matsumoto, he leído el manga pero no me ha marcado y tampoco es que me gustasen mucho sus series animadas, pero tenía la sensación de que esta película lo iba a petar. Además estaba dirigida por el genial Shinji Arakami que había firmado como realizador una genial película sobre mi amada Appleseed de Masamune Shirow. Además técnicamente es un delirio de animación portentosa y todas las escenas de acción son muy dinámicas y fluidas, así como las batallas estelares, la pena es que la han querido hacer para todos los públicos y la ausencia de sangre es casi total.

¿Cuál es la pega de Captain Harlock entonces? Pues que se les olvidó contratar a un guionista porque la historia es aburrida, la trama e intenciones son absolutamente pretenciosas y el mensaje pseudomesiático es francamente lamentable. El filme empieza muy bien con una firme declaración de intenciones y mostrándonos a los integrantes de la Arcadia como lo que se supone que son verdaderamente: piratas.

Si alguien se acerca al filme esperando ver una soap opera donde el carismático Capitán Harlock salve la situación y se muestre épico y carismático se van a dar un buen morrón porque de Capitán Harlock lo que más tiene la película es el nombre, el mencionado capi sale en muchos planos pero casi ni hace nada, ni habla y cuando lo hace da la sensación o de que está drogado o de que le gusta hacerse el guay dándoselas de hombre misterioso, críptico y plagado de secretos. Para rematar todo lo relacionado con  el supuesto protagonista hay que decir que el giro sobre su “sucesor” se ve venir desde el primer fotograma y es que el equipo de diseño bien podría haberse currado más el aspecto de determinados secundarios.

Antes mencionaba que la trama – y toda la película en si – es pretenciosa y esto es debido a que de nuevo uno espera una película de acción galáctica de un grupo de rebeldes contra un imperio al estilo si no de Star Wars por lo menos de Firefly y algo de esto hay por supuesto pero aquí las miras están mucho más altas y lo que se pretende es salvar todo el puñetero universo o eso pensamos los allí reunidos porque la historia da tantos tumbos, giros incomprensibles y hay tanta chachara metafísica inventada sin base de nada que al final todo te acaba importando una mierda.

NOTA: 3/10

SKETCH: El ejemplo de Mahmud Asrar

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Gracias a mi amigo Luis - que me ha escaneado el dibujo - os puedo ofrecer esta tarde este genial sketch recientito de mi colección obra de Mahmud Asrar y que me dibujó en el último Expocómic de Madrid. Evento que me tomé con tranquilidad lo que fue una experiencia absolutamente genial, pude pasar más tiempo charlando con la gente y mirando los stands.

El hecho de que diga que este dibujo es todo un ejemplo es debido a que Mahmud Asrar se marcó unos 15-16 dibujos por sesión por lo que dificilmente cualquier aficionado que quisiera un dibujo suyo se quedaría sin él. Como se puede ver el resultado es muy bueno, y como dice mi amigo Oneyros "se reconoce el personaje, se reconoce el autor" no hace falta más.

No soy nadie para decirle a ningún autor como firmar o que tiempo dedicarle a los dibujos pero creo que esta es la mejor forma de hacerlo y si alguien quiere algo mejor o más elaborado (hasta la polla estoy de comentarios como "yo es que quiero tener el mejor dibujo de fulanito de toda la convención") pues que pague y que no moleste. Claro que los que pagan luego suelen querer además sketches, porque amigos el arte de la acumulación está muy presente en España. 

Por mi parte estoy encantado con mi Iron Man que fue el dibujo número 12 y está igual de currado que el número 1 - con la diferencia de que yo ese día no me levanté a las dos de la mañana para conseguirlo - Así sí.


WE ARE WHAT WE ARE. La cena está servida

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Venga gente no me miren con esas caras que seguro que alguna de las películas de las que hablo les interesa e incluso les apetece verla. Si alguno de ustedes suele ir a la muestra SyFy de Madrid posiblemente tenga la oportunidad de ver ésta “What Are What We Are” cinta de canibalismo mezclado con costumbrismo americano que pude ver en Sitges y que fijo fijo que ponen el 11º SyFy.

Remake de una aclamada cinta mexicana llamada “Somos lo que hay” nos llega esta nueva versión yanqui dirigida por Jim Mickle, realizador con gran proyección autor de Stake Land una más que interesante revisión del mito vampírico. Por desgracia esta revisión de un título de culto aunque no está nada mal me ha parecido bastante sosita para lo que me esperaba de él.

La acción nos lleva a un pequeño pueblo de la América profunda donde una familia ultra católica y con extrañas tendencias pierde a su madre víctima de unos extraños temblores que la provocan una caída en un torrente de agua donde muere ahogada, esta rocambolesca situación lleva a que la familia se aísle todavía más.

Resulta que el padre de familia debe delegar en sus hijas –ahora las mujeres de la casa- el privilegio y la obligación de matar a una chica inocente y comérsela, todo ello siguiendo sus particulares partituras sagradas, se ve en todo momento que tienen un manuscrito que bien puede ser una biblia satánica pero el realizador no entra en esos jardines a fin de contarnos la historia sin interrupciones.

El problema que tiene el filme es que apenas pasa nada, hay un sacrifico al principio de la película y durante el resto de los 106 minutos que dura tenemos a un padre (el actor Bill Sage) siendo bastante críptico, a dos niñas que no acaban de sentirse a gusto con su papel de matarifes, un niño pequeño que no se entera de una puta mierda y al menos para dar algo de chica a la trama tenemos a un sheriff cuya hija desapareció hace una década (el sacrificio es cada ciertos años) y que empieza a atar cabos y relacionar casos cuando encuentra una serie de huesos humanos desenterrados a causa de las lluvias torrenciales.

La cinta tiene otro buen par de momentos cañeros cuando el padre se carga a tal o cual personaje que amenaza su “equilibrio” familiar. Hay escenas bastante escabrosas cuando la familia está sentada a la mesa degustando un nada apetecible plato de estofado donde se puede apreciar todavía su esencia sanguinolenta. 

Cabe destacar también la presencia de la actriz Kelly McGillis que debe ser un fetiche de su director ya que tuvo un pequeño papel en la mencionada Stake Land… anda que no le pesan los años… Me jode decirlo pero Tom Cruise envejeció mucho mejor, que no cuenten con ella para la secuela de Top Gun XD

Como he dicho no es ni mucho menos un mal filme, mantiene la tensión, la fotografía es muy buena así como la banda sonora pero casi parece un documental sobre una familia de caníbales que una película propiamente dicha por la poca acción que tiene.

NOTA: 6/10

VA DE MONSTRUOS XV: Dreadlands (1992)

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Hola amigos, bienvenidos a una nueva entrega dominical de Va de Monstruos, hoy para rendir homenaje al origen de esta sección temática vamos a volver a hablar de cómics, en concreto de una miniserie de cuatro entregas publicada por Cómics Fórum en 1993. Hoy hablamos de Tierra de Dinosaurios.

Formato. Miniserie de cuatro números de 36 páginas publicada en 1992 dentro del sello Epic Cómics – donde los derechos de las obras eran de los autores – de la editorial Marvel. Planeta De Agostini aprovechó el tirón de Jurassic Park para publicarla y aprovecharse del rebufo de la película de Spielberg. Fue escrita por Steve White, el ahora famoso Andy Lanning antes de su etapa de entintador y dibujada por Phil Gascoine. Ahora mismo es muy fácil de localizar en un retapado.

¿De qué va? En el año 2033 la Tierra ha sufrido un colapso ecológico y casi toda la superficie del planeta es estéril, hay abundantes maremotos, terremotos y tormentas eléctricas o plagas de langostas que devoran todo. Los gobiernos sobreviven en instalaciones subterráneas financiadas por empresas privadas mientras que en la superficie los humanos que quedan sobreviven en tribus de carroñeros que se encargan de asaltar estas instalaciones. En una de ellas han desarrollado una esfera que les permitirá saltar en el tiempo y durante un ataque se ven obligados a usarla con impredecibles resultados ya que acabarán en la época jurásica.

Bicho protagonista. Pues tenemos como invitados de honor a toda la pléyade de dinosaurios típicos del jurásico tardío como Velociraptores, brachiosaurios, pterodáctilos, stegosaurios, gallimimus y muchos otros que no salieron en la película de Jurassic Park y que son más parecidos a animales actuales como cocodrilos gigantes y demás pero de los que no recuerdo el nombre. También habrá unos cuantos invitados especiales pero no pienso decir nada.

Opinión. Llevaba tiempo tras esta miniserie tras leer comentarios muy positivos de ella en un foro de heavy que hablaban sobre cómics de dinosaurios, un par de años más tarde y gracias a mi buen amigo Dani la localicé a un precio muy bueno en un solo tomo retapado en el Expocómic de Madrid y no me lo pensé, me la leí de un tirón y ahora con motivo de esta sección tocaba relectura.

Dreadlands es una magnífica historia de aventuras y ciencia ficción que implica viajes en el tiempo, personajes carismáticos, auténticos hijos de puta de despiadados y egoístas, buenas escenas de acción, grandes paisajes prehistóricos e incluso una lección moralista de las imprevistas consecuencias (en este caso en exceso la verdad) que puede tener no cuidar el Planeta como se merece.

Me gustan este tipo de historias que beben mucho del pulp y de las novelillas de los años 20 y 30 o de obras como La Isla Misteriosa, El Mundo Perdido o La Isla del Fin del Mundo que ponen al hombre en jaque en un escenario que no es el suyo.

El momento. El WTF cuando aparecen los invitados especiales, que pilla por sorpresa y que lejos de sobrar creo enriquece el trasfondo de este universo de ficción basado en un futuro-pasado apocalíptico.

Lo mejor. El ritmo ya que se lee enseguida, es muy entretenida y los personajes están muy bien definidos y diferenciados con el grupo que quiere hacer todo tal y como su entrenamiento militar les enseñó y el grupo científico que ve la oportunidad perfecta de saber como era la vida antaño. El dibujo detallado y preciosista de Phil Gascoine también es muy bueno.

Lo peor. Que te deja con ganas de más ya que tranquilamente se podrían haber marcado una maxiserie como Xenozic Tales, de la cual por cierto hablaremos próximamente por aquí.

ESCAPE FROM TOMORROW. Cuidado con el ratón Mickey

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Ya van quedando menos películas vistas en Sitges que comentar lo que si les puedo asegurar que muchas de ellas fueron fascinantes como poco y desde luego originales, algo que en el cine fantástico y de terror se me antoja harto complicado de conseguir en los tiempos que corren. Pero lo que son las cosas, con un presupuesto ínfimo, unos medios paupérrimos y jugándose una demanda Randy Moore nos ofrece un completo, realista y espeluznante análisis de la caída de en la locura de un padre de familia.

Jim es el cabeza de familia que se dispone a finalizar sus vacaciones con su mujer y sus dos hijos en la idílica Disney World de Florida pero poco podía imaginar que un fin de semana prometedor se podría convertir en una pesadilla en vida. Todo comienza con una llamada telefónica que le cuesta el empleo y partir de ahí llega la caída en picado.

Antes de empezar a analizar brevemente esta pequeña joya contemporánea - deudora del mejor David Lynch- habría que destacar varias cosas que hacen de Escape From Tomorrow una cinta muy muy especial. Comenzamos con el aspecto, rodada en blanco y negro para abaratar costes de iluminación y tal el aspecto de muchas de sus imágenes son totalmente evocadoras y contradictorias al ser el mundo de Disney uno llego de color en la imaginería popular, este hecho hace que el realismo de las imágenes logre perturbarnos en más de un momento.

Lo segundo es que Escape From Tomorrow fue rodada completamente en Disneyworld sin el permiso de Walt Disney INC, Randy Moore pilló un equipo básico de rodaje, un par de cámaras y una docena de actores y con todos sus huevos se plantó en el parque temático sin pensárselo lo más mínimo y se marcó esta peliculaza.

En serio, la película engancha, ver como Jim poco a poco va perdiendo la cabeza en ese mundo de fantasía y felicidad, su ira contenida, la rabia y la impotencia por perder su trabajo y el exceso de alcohol que va ingiriendo desde primera hora de la mañana se mezcla con un compendio de paranoias, de visiones de iconos de Disney desfigurados que le observan con macabras sonrisas, a lo que hay que añadir la enfermiza obsesión que tiene con dos lolitas francesas con las que se empeña en coincidir y más tarde en perseguir en toda regla.

La segunda parte del filme entra de lleno directamente en el terreno del surrealismo más poco convencional que pueda imaginarse con escenas que confunden al espectador al que el cambio de “rollo” le sorprende (y creedme que cuando se está viendo una película como ésta sorprenderse de esa manera no es poca cosa) y deja totalmente descolocado.

Este experimento narrativo y visual es también una crítica feroz y en toda regla al corporativismo de las grandes empresas en general – no solo de Disney – que ven en sus trabajadores números, que ven en los niños fuentes de ingresos… Moore retrata los parques temáticos como fuentes del mal más primigenio, concepto que se aproxima a esa leyenda urbana que cuenta que Walt Disney fue una persona sumamente cruel. El final es también muy destacable por su crueldad y por – de nuevo – pillar por sorpresa al respetable.

Pocas veces se verá algo así en el cine, en España por supuesto si llega en DVD será bastante pero me da que habrá que recurrir a plataformas menos legales para hacerse con ella. Sin tienen la oportunidad no se la pierdan.

NOTA: 9/10

COLECCIONABLES DE PANINI QUE ME MOLARÍA VER A PARTIR DEL 2014

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Hola amigos, se termina el año así que lo primero desearos un feliz 2014 y sobre todo fuerza y honor para resistir lo que se nos viene encima que será un buen montón de mierda, pero mierda mierda…. Bueno vamos con el post de hoy, el pasado sábado durante la celebración de los Santos Inocentes, Panini anunció sus nuevos coleccionables para 2013 y la verdad es que me sorprendió uno dedicado a Spider-Man de McFarlane, Erik Larsen y luego todo aquel que pasaba por allí. No es que sea un material de la polla pero no lo tengo y me lo pillaré porque es a buen precio y sólo son seis tomos. Ahora como suelo hacer en estos casos hablaré de coleccionables que me molaría ver editados algún día pero que se que son inviables.


Coincidiendo con el Capitán América El Soldado de Invierno me encantaría leer un coleccionable con todo el Capitán América de Mark Gruenwald puesto que hay material de su etapa inédito, fue editada por Fórum en mil formatos distintos y a mi me gustó bastante todo lo que leí, nada trascendente pero muy aventurero y divertido.


Con lo que han ganado en popularidad Los Guardianes de la Galaxia me molaría un coleccionable Cósmico. Aquí puede haber varias cosas, o bien uno centrado en el grupo incluyendo sus primeras aventuras de los años 60, la serie de Jim Valentino y luego ya el material moderno de Dan Abnnett y Andy Lanning. También podría editarse uno a las sagas del Infinito publicando así El Guantelete, la búsqueda, la cruzada, la guerra y el Abismo… aunque igual esto mejor con los Vengadores 3.


Para los Vengadores: La Era de Ultrón y como hay que tener en cuenta que los coleccionables no tienen porque ser para el mismo público que suelen ser las líneas Marvel Gold o las regulares (Panini ha demostrado positivamente que no tiene problemas en sacar un material varias veces y en varios formatos) Un coleccionable con las sagas más destacadas del Robot genocida molaría y los autores serían la caña: Pérez, Thomas, Busiek, Bendis, Hitch, Cho… o eso o sacar Los Vengadores Costa Oeste de John Byrne donde la Bruja Escarlata tiene presencia destacada.


Con los 4 Fantásticos si que lo tengo clarísimo. Un coleccionable incluyendo la etapa completa de John Byrne y mi mente febril ya se hace pajas pensando que podría ser ampliable con un par de tomitos de Namor y otros tantos de la Hulka del propio genio inglés. Como molaría.


Ya estamos hablando del futuro lejano y a saber como están las cosas, eso sí, Clemente afirma que tenemos Panini para rato así que voy a seguir. Cuando estrenen X-Men: Apocalypse tampoco hay que romperse mucho el cráneo y con todo el material que formó La Era de Apocalipsis original vamos que chutamos pero si se queda corto se puede echar mano de los especiales Relatos de, de la saga Las Eras de Apocalipsis, de la miniserie de Akira Yoshida y Chris Bachalo, la saga de X-Force, la serie regular de David Laphan…


De Ant-Man molaría una antología con todos los hombres hormiga. Podría incluir material de Kirby y Ditko, sus seriales con la Avispa, las apariciones destacadas en los Vengadores, el especial navidad de Bob Gale, la muerte de Scott Lang en Dissasembled y por supuesto la serie regular de Robert Kirkman y Phil Hester.

Con el estreno de The Amazing Spider-Man 3 y con un par yo seguiría el coleccionable 2 de Forum hasta que se empezó a publicar la serie en tomitos. O quizás podría publicarse toda la saga del clon ahora que ha sido reeditada en tomitos en USA y por que no todo el Brand New Day hasta el Octupazo, será por tebeos… Que también hay que tener en cuenta que en 2018 llega The Amazing Spider-Man 4.


Algún día estrenarán Veneno y yo pagaría por un coleccionable donde se viesen todas sus apariciones. Incluso pondría como extra las páginas de Mike Zeck de Secret Wars 8 y a partir de ahí el material de David Michilenie y Todd McFarlane a partir del Amazing Spider-Man 289, seguiría con Matanza Máxima, la etapa del exilio en la isla, sus miniseries como Protector Letal, El Macero, La Locura, Pira Funeraria, Guerra de Simbiontes… hasta terminar con la etapa de Jenkins y Ramos.


Si realmente quedan huevos para hacer un tercer Lobezno en solitario yo quiero un coleccionable con cosas como la etapa de Frank Tieri o como alternativa sus números, sagas y miniseries más destacadas. Crossroads de Claremont y Jim Lee, Honor de Frank Miller, Wolverine & Kitty Pryde de Claremont y Milgrom, Origen de Jenkins y Kubert…


Creo que bizarro sería uno de X-Force desde los tiempos de Los Nuevos Mutantes de Rob Liefeld y Fabián Nicieza, luego llegarían Greg Capullo, Tony Daniel… y si al menos se alcanza la etapa road movie de John Francis Moore y Jimmy Cheung molaría mucho, otra opción es tirar de tiempos recientes y editar desde la segunda génesis del grupo en Complejo de Mesías y hasta ahora.


Me he equivocado más bizarro que uno dedicado los Seis Siniestros… pero este sería cortito y con incluir sus más destacadas palizas a manos de Spider-Man estaría completo.


 Todo esto teniendo en cuenta el formato actual: tomos de tapa dura, a diez pavos y autocontenidos, no me vengan a joder.


WRONG COPS. Delirante comedia de Quentin Dupieux

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Hola amigos, feliz año nuevo a todos espero que no estéis pagando los excesos de la nochevieja yo no se si es porque me hago viejo o cada vez soy más rancio que al final me acosté relativamente pronto para lo que suele ser esa noche pero eso sí, lo pasé en grande rodeado de buenos amigos, así que como no tengo resaca y no me apetece seguir revoloteando en el sofá pues voy a postear alguna cosilla.

Cada dos días toca reseña de Sitges así que para no ser menos vamos a empezar el año siguiendo las tradiciones y además si es hablando de una de las películas que más me gustaron en el certamen pues mejor que mejor. Hoy toca hablar de Wrong Cops, obra del francés Quentin Dupieux. Comedia surrealista que aunque poco o nada tenga que ver con el género fantástico o de terror en mi opinión se comió a la mayoría de las películas con las que competía.

Destacar que Dupieux es un realizador irreverente, rompedor que no se casa con ninguna tendencia y que lleva varios años desarrollando su propio universo fílmico, así los personajes que aparecen en Wron Cops (que a su vez es una adaptación de un corto suyo del mismo nombre) haciendo de policías son los mismos que eran una panda de marginados inadaptados en Wrong y en Steak – ésta última divertidísima – su sentido del humor puede recordar también a los Monthy Python, aunque para mi está muy por encima de ellos.

Wrong Cops es la historia de un grupo de policías muy particular puesto que aunque se suponen que están ahí para servir al ciudadano lo cierto es que se pasan más tiempo delinquiendo o pasando de ayudar a nadie dando lugar a situaciones verdaderamente descacharrantes que provocan no pocas carcajadas. Además me atrevería a decir que Dupieux se ríe de los grandes estereotipos de Hollywood y de muchos de sus directores más consolidados en el campo de las películas de crimen organizado y similares.

Para que os hagáis una idea de como son estos muchachos os hago un rápido resumen de lo que podemos encontramos en esta comisaria. Mark Burham (Duke) se dedica a pasar droga dentro de ratas muertas a las que abre con un cuchillo y luego precinta con cinta aislante; Eric Judor (Rough) es un policía tuerto al que su jefe le encarga deshacerse de un civil al que ha disparado por error y está obsesionado con la música electrónica; Steve Little (Sunshine) es un inspector fracasado que quiere esconder su pasado como actor porno gay o Eric Wareheim (Renato) que cita a mujeres jóvenes y guapas en un descampado obligándolas a que le enseñen las tetas porque se lo pide un agente de la ley XD. Destacar también los pequeños papeles secundarios de Eric Roberts como estrella del cine y del mismísimo Marylin Manson como un skater al que también le mola la música electrónica.

He mencionado la música en varias ocasiones y es que ésta es un elemento muy importante en Wrong Cops, siendo principalmente música de bakalao o de baile pero que encima se te mete en la cabeza por lo jodidamente pegadiza que es y además también es obra el propio Quentin Dupieux demostrando su versatilidad como creador, en serio amigos esta película es una de las mejores comedias que he visto en años y sólo por la escena final (que me sigo partiendo la caja cuando la recuerdo) merece la pena.

NOTA: 9/10

ALCOHOL (Y OTRAS HIERVAS) A RITMO DE HEAVY METAL

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Hola amigos bienvenidos a un post musical alcohólico… sipe, no me he vuelto loco pero desde hace tiempo me apetecía hacer un post de este tipo recopilando algunas – no todas porque hay muchas – de las bebidas alcohólicas que muchas bandas de heavy metal han lanzado en los últimos años. Por lo general no se gran cosa de ellas y muchas ni las probaré pero algunas se han dejado caer en tiendas de importación o incluso han tenido distribución en Carrefour como las birras de Iron Maiden y AC/DC.


Empezamos con Motorhead. La banda de Lemmy Killmister se ha liado la manta a la cabeza por partida doble. Por un lado cuentan con un vino original de Australia que está bastante rico, los que saben dicen que es afrutado pero como yo tiendo a mezclarlo con coca-cola sólo se apreciar las diferencias de mezclarlo con Zero, Light o Normal. Su cerveza responde al nombre de Bastards y es una Lager de toda la vida.


Los vikingeros de Amon Amarth tienen su birrita también con el sugerente nombre de “Ragnarok” y sólo por la graduación de 8,2 grados debe de probarse por lo menos una vez en la vida XD.


Seguimos con una nota de clase y distinción, pues la guapa Doro Pesch líder de la banda Warlock que luego se cambiaron su nombre por el original de Doro. Ha tirado la casa por la ventana y contamos con toda una línea de vinos tintos e incluso un champagne que deben costar algo así como un cojón.


Esta no se si es un fake o algo así aunque por otro lado que los alemanes Tankard tengan su propio brebaje de los dioses me parece lo más normal del mundo ¿por qué? Pues porque tienen temas llamados “A Girl Called Cerveza” o “The Beauty and the Beer” y porque son unos trufas de cuidado.


La cervecera Yria/Cervezorama ha sido la encargada de traernos la birra dedicada a Angelus Apatrida, una de las pocas bandas españolas con su propia cerveza, definida como un trallazo al paladar, la banda lo peta, espero que su birra también, aunque el cantante tiene exceso de ego.


Otro vinito y esta vez de España, un riojita ni más ni menos, hasta aquí todo bien pero teniendo en cuenta que es de Tierra Santa, se llama Caminos de Fuego y que además es baratillo… si parece un mojón, huele como un mojón y probablemente sepa como un mojón pues me da que es un mojón. Quien no conozca a la banda que sepa que es una de las formaciones más chapuceras del momento y de lo que va de siglo.


Como no AC/DC tienen su birrita llamada Black Ice que en mi querido bar Carátulas han sorteado cada dos por tres. Se trata de una Lager que ha salido a la venta por mediación de la alemana Carlsberg. Mejor porque lo que son las cervezas australianas…



Kiss son otros que se apuntan a todo y tienen una birrita llamada Destroyer que casualmente es fabricada por los mismos que hacen lo propio con la Bastards de Motorhead, también tienen un vino con varias ediciones dependiendo del músico y que he visto en algún festival europeo, Gene Simons lo define así "Una mezcla de moras y pimienta, que le da al vino un saque de hard rock y un final especiado y suave”


Llegamos a la Trooper de los británicos Iron Maiden, una rubia tostada que en España se encuentra con mucha facilidad y que es la primera que he probado de todas estas, la verdad es que no me gustó demasiado pero el artwork de la botella es cojonudo.


Los brasileños Sepultura han editado una edición limitada muy cuidada de cara a sus fans que incluye un estuche con forma de amplificador, dos vasos y dos botellas de cerveza, desarrollada por los alemanes Bamberg Bier.


Una cerveza que aunque pueda dudo que la pruebe es la Zombeer de los patrios Avulsed porque si la bebida se parece en algo a la banda estará elaborada con sangre como poco.


Terminamos con la marca Ambar que en ocasiones ha sacado tiradas limitadas de cervezas de grupos como la que ocupa la foto de arriba de Amaral o una de Héroes del Silencio, ni sabía que existían…

CONTRACTED. Quien con raros se acuesta....

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Venga zagales que ya estamos a viernes y por delante tenemos un fin de semana largo, yo me siento raro porque por primera vez en seis años no trabajo el día de reyes y creo que me faltará algo (además del pastizal a final de mes por currar ese día) así que debo estar muy mal por echar de menos currar… en fin, tras dejar de contaros mi vida que no me importa ni a mi vamos a hablar de una nueva película de Sitges, además una de las que más me gustaron y que pude ver gracias a que mi amigo Fran se fue a hacer movidas de periodistas y yo me agencié su entrada.

La película en si fue Contracted y fijo que tampoco la vemos por España, de hecho estoy por hacer un post con las películas que según mis apuestas acabarán por aquí y que no creo que sean demasiada. Dirigida por Eric England – un habitual de Sitges en las últimas ediciones – cuenta la historia de Samantha (Najarra Townsend) una lesbiana de nuevo cuño (hace apenas unos meses que se dio cuenta de sus verdaderas inclinaciones) que una noche sale de pedo con una de sus más antiguas amigas y por un mosqueo con su chica se acaba zumbando a un completo desconocido.

A partir de este momento comienza una verdadera pesadilla que poco a poco irá destruyendo su vida a todos los niveles. Le causará problemas con su novia, que es una rancia y es de esas personas que va de guay por la vida y no le gusta etiquetar nada (la actriz es un pivonazo que estuvo presente en Sitges), su trabajo también se verá truncado puesto que su salud se deteriorará rápidamente y la madre con la que vive y que suele agobiarla tampoco ayudará demasiado.

Mencionaba la salud en el párrafo anterior y es que las consecuencias de ese polvo mal dado las notará desde la mañana siguiente cuando su retina empiece a desprenderse, se ponga a mear sangre y sus venas comiencen a ennegrecerse, los más avispados ya sabrán de que va camino de convertirse nuestra protagonista pero no contaremos más para no destripar ninguna de las sorpresas, que el filme tampoco tiene muchas pero la calidad del mismo se apoya en el ritmo que sabe imprimir su director y a que es capaz de mantenernos pegados al asiento en todo momento.

Contracted se apoya en lo impactante de las imágenes, en la evolución o involución del cuerpo de Samantha que da lugar a escenas bastante asquerosas y explicitas (que para explícito yo habría preferido alguna escena de sexo lésbico llena de detalles) que conseguirán sacarnos más de una mueca de asco, pero a la vez fascinarnos y compadecernos del inevitable final que alcanzará nuestra guapa protagonista. Además no sólo será su cuerpo el que sufra el deterioro ya que su mente irá consumiéndose hasta acabar en una completa psicosis asesina.

Y por dios la escena final me parece de lo más glorioso que he visto en mucho tiempo en una película de género, además la cinta siembra las bases de una posible saga que dudo que llegué a hacerse pero cierta subtrama relacionada con el tipo con el que se acuesta Samantha y que es el culpable de todo tiene mucho jugo.

NOTA: 8/10

BATMAN ARKHAM ASYLUM. Un lugar sensato en una tierra sensta

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Nunca he sido muy fan de Grant Morrison, el escocés no es ni mucho menos uno de mis autores predilectos aunque siempre le he dado una oportunidad a sus cosillas y oigan todo lo que ha hecho con Batman este siglo me ha encantado, su We3 me parece muy curioso y Animal Man es una pasada. Sin embargo su New X-Men aunque ganan con la relectura siguen sin ser santo de mi devoción y All Star Superman no me entra ni con calzador.

El caso es que también voy rellenando huecos y recuperando obras que deje pasar en su momento como éste Arkham Asylum, que lo leí hace años y no me gustó nada, pero al que he decidido dar una segunda oportunidad y gracias a mi buen amigo Oneyros me lo he podido leer de gratis ¿el resultado? Pues me ha gustado más que la primera vez pero sigue sin gustarme del todo y dudo que vuelva a leerlo.

El principal problema que le veo es el dibujo de Dave McKean, que sí, que vale, que es parte de la gracia, esas planchas pintadas que son muy bonitas y que se luce especialmente en las escenas de las villanos como Dos Caras y sobre todo Joker que es el hilo conductor de toda la historia y que resulta verdaderamente aterrador en manos de McKean, al que conocí en Getxo y la verdad es que me pareció un poco gilipollas y especialmente arrogante y no por dibujar lo que le diese la gana a los fans (que sus dibujos al fin y al cabo son regalos) sino por su arrogancia y actitud despectiva. Lo que pasa es que luego hay muchas páginas en las que no se ve absolutamente nada y me he limitado a leer los textos.

Morrison escribe una interesante historia donde el Joker pretende demostrar que los verdaderamente cuerdos son ellos y que la gente del exterior, sobre todo Batman, son los que están locos y los que de verdad deberían estar dentro. El análisis que hace Morrison de la Psique del guasón es realmente bueno, mostrándolo como un agente del caos, un villano sin propósito, sin plan, impredecible, que hace mal como algo tan sencillo como hacer el bien porque para él es lo lógico.

También es interesante el tiempo narrativo centrado en el presente con Batman internándose en el Asilo Arkham y con los orígenes del sanatorio más famoso de DC y su fundación a manos de Amadeus Arkham, los traumas que sufrió como padre y hasta donde estuvo dispuesto a llegar para intentar ayudar a los internos y vengarse y hacer justicia a su manera en caso de considerarlo necesario.

Desde luego es un tebeo notable como antesala de lo que Morrison nos podría ofrecer con Batman veinticinco años después. Un buen análisis de la mente de un supuesto héroe que para hacer lo que hace demuestra que su cordura está tan tocada como la de los villanos que persigue y captura. Los monólogos internos de Batman, sus demonios internos, motivaciones, incluso nos ofrece una retorcida y macabra mirada a su origen… es lo mejor de la obra sin duda.

Que no se diga que no doy segundas oportunidades.

NOTA: 5/10

SKETCHES. Eligiendo lo clásico con Fernando Dagnino

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La verdad es que el pasado Expocómic si ibas sólo por pillar dibujos te podías llevar unos cuantos - no fue mi caso - ya que en palabras de uno de los organizadores había 98 autores invitados y a todas horas había sesiones de firmas en stands o en las sesiones oficiales de la organización. Este año ECC ha seguido con su política implantada en Barcelona y se ha llevado unos cuantos autores, algunos supongo que "a pachas" con Expocómic. Pero todo esto son suposiciones mías que no se como va el tema.

El caso es que uno de estos invitados era el español Fernando Dagnino, madrileño de nacimiento lleva desde 2008 dibujando un buen número de títulos de DC, para la que relanzó Resurrection Man en New 52 y hace poco dibujó Escuadrón Suicida que es donde sale Harley Quinn.

Pues bien este dibujante es la mar de majo, el día que me apunté a su sesión de firmas, previamente le contacté por facebook para comentarle que no tendría nada suyo para que me firmase (ECC sólo ha sacado un par de tomos donde hay números suyos pero a un precio que no me pude permitir) y me comentó que no había ningún problema, en breve además en la web Nuestros Cómics os ofreceremos una entrevista con este crak.

La elección del dibujo estuvo clara y mientras lo realizaba, con muchos parones para hablar conmigo y con cada autor que llegaba a la sesión (el se presentó un rato antes) le conociese o no fuimos hablando y comentaba que ahora está realmente contento en Dark Horse dibujando Captain Midnight y que el panorama actual de DC es una pesadilla. Sorprendido se quedó cuando le comenté que no hacía falta que le diese mucho detalle al sketch ya que había más gente esperando a lo que exclamó que era la primera vez le pedían eso XD

Un crak, del que espero que Planeta acabe editando Captain Midnight, ahora que han anunciado The Black Beetle.



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